Significado del vídeo de "Elastic Heart": el miedo a un padre y a una jaula de problemas

Si algo tengo que agradecerle a Sia aparte de sacar temazos que aprovechan su vozarrón, es el que saque vídeos a la altura de estas canciones: misteriosos, y que te dejan una sensación de querer encajar las piezas sueltas que el visual va dejando aparecer conforme avanza. Una sensación que no se ha dejado ver en ninguna artista (hablando siempre de lo mainstream) que no sea Lady Gaga. 

Y la jugada del vídeo enigmático le ha salido redonda: su último clip lleva ya más de 440 millones de reproducciones. Y he de decir que he sacado algo de tajada de ello: mi entrada del significado del vídeo de "Chandelier" lleva a día de hoy más de 50000 visitas (que para los 2 años de vida de este blog, creo que es bastante impresionante. Mi segunda entrada más visitada tiene 14000). Por lo que visto cómo os encanta Sia y sus vídeos de recóndito significado, me dispongo a hacer la entrada de la secuela de "Chandelier": "Elastic Heart".

Shia y Maddie haciendo del padre de Sia y de Sia

En lo que es el videoclip, nos encontramos a un convincente Shia LaBeouf (lo que hace una buena barba y un buen corte de pelo... está bastante más bueno que en sus años protagónicos junto a los Transformers) y a la ya archiconocida Maddie Ziegler, encerrados en una enorme jaula bailando a lo "Chandelier", pero con un toque más animal.

Me gusta que Sia repita con Maddie para este vídeo, ya que le da un aire de secuela que lo vuelve bastante interesante. Pero lo que realmente ha hecho que el vídeo alcance en menos de tres días 23 millones de reproducciones no es precisamente la aparición de la bailarina de 12 años... Bueno, en parte sí, pero porque la mayoría de la gente piensa que esta representación trata sobre la pedofilia debido a la extraña relación amor-odio que comparten sus protagonistas y a su semi-desnudez (el tema de que lleven ropa con la misma tonalidad que su piel es para evitar cualquier distracción que desvíe al espectador del mensaje principal). ¡Error! El vídeo es oscuro, pero ajeno a cualquier tema relacionado con el sexo. 

Los cambios de personalidad
del padre

Trata sobre la relación de Sia con su padre, Phil B. Colson, un guitarrista australiano que sufría de trastorno de personalidad (cosa que es representada en el vídeo cuando LaBeouf pone esas extrañas y diversas caras cuando sujeta a la pequeña Sia en sus brazos); transtorno que la cantante vivió de primera mano: según ella "en su infancia, él (su padre) tenía dos personalidades únicas. Una era llamada Phil y la otra era Stan. Phil era como el mejor padre del mundo... Era divertido pero elocuente, estaba presente y se intersaba y era interesante. Pero cuando Stan llegaba, todo era como una pesadilla."

Una vez conocido este dato, ya podemos darle una base de sentido al vídeo y por tanto unir las piezas de este puzzle visual. 

Todo comienza con una imagen de ambos encerrados en una enorme jaula. Esta jaula es un símbolo de los problemas que producen este trastorno, que afectan tanto a su portador como a la hija de este. Los dos se miran fijamente y esperan a que el otro realice el primer movimiento. Aquí podemos ver el miedo que la cara de la infancia de Sia (Maddie) transmite, ya que desconoce si su padre es Phil o Stan. Ambos se mueven a la vez y el padre se acerca a su hija; ella le pega un grito con una cara bastante tenebrosa para espantarle (una forma de protegerse de la posible violencia que Stan pueda ejercer sobre ella).

La jaula de los problemas

Y el vídeo prosigue con la niña de la peluca rubia "atacando" a su padre para evitar que este se acerque a ella. Como ya he dicho antes, todo de manera muy animal, ya que figuran los sentimientos en su forma más básica: instintivos y sin ningún tipo de inhibición.

Por lo que el padre sube por la jaula intentando escapar de esta cárcel y a su vez, de los ataques de su hija. Pero su niña para, y él baja para contemplarla (por lo que se puede decir que en este vídeo Shia hace de Phil: un padre interesado por su hija y que vela por ella). Intenta hacerle una caricia, pero la chiquilla se despierta y no se deja -ella sigue sin saber qué personalidad posee el cuerpo de su progenitor-; así que él, en señal de paz, le ofrece su mano delicadamente. Ella se acerca, pero el miedo de que sea Stan hace que su instinto de protección le haga morderle la mano ofrecida.

Así que él se harta y coge a la muchacha por la fuerza; pero ella consigue huir y escapa de la jaula; escapa de todos los problemas de este trastorno; escapa de su padre.

Quiero destacar en este punto del vídeo un fotograma del mismo que me ha sorprendido (el que téneis insertado en este párrafo): LaBeouf puede salir perfectamente de los barrotes con tan solo girar un poco más su cuerpo; sin embargo, no lo hace. Creo que el director quería hacer hincapié en el estado mental del personaje masculino: puede escapar de la jaula, de sus problemas, sin embargo, no lo hace. Puede ir a terapia y resolver sus problemas, pero parece que muestra poco interés en recibir ayuda. Con un poco de cordura, sentido común y voluntad podría haber salido perfectamente -notándose así la fuerza que su trastorno ejerce sobre él-, pero la ausencia de ayuda no le permite superar la debilidad que le produce esta enfermedad. Profundo. Muy profundo.

Siguiendo con el significado de la obra, vemos como Shia se enfurece, sacando la personalidad de Stan a la luz. Acto seguido, él agarra a Maddie y se la lleva. Simbología: él (Stan) se ha llevado la infancia de Sia. Después, pone las caras raras que mencioné antes (son esas caras, esos transtornos, los que se han llevado su infancia). Pero ella lo abraza de todas maneras, porque es su padre y lo quiere. Por lo que intenta sacarlo de su jaula, por la cual ella consigue pasar, pero él no...

Un resumen para los más vaguetes que paséis de leeros este tocho de entrada: tanto la canción como el vídeo de "Elastic Heart" tratan sobre el frágil corazón de Sia, que ha sido dañado tantas veces por el miedo; miedo causado por los cambios de personalidad de su padre y la propia bipolaridad de ella (por eso vemos a una Maddie que se mueve entre un extremo violento y otro sentimental); el cual intentará enterrar posteriormente en alcohol como se ve en el vídeo de "Chandelier". Por lo que nos encontramos ante una precuela del éxito de 2014 en el que intenta sacar a la personalidad buena de su padre (Phil) de los problemas que causan la mala (Stan).

En lo que es ya la canción: "Elastic Heart" en principio era un tema que formaba parte de la BSO de "Los Juegos del Hambre: En Llamas", lanzada en 2013 en una versión junto a The Weeknd (el acompañante del "Love Me Harder" de Ariana Grande con el pelo-pájaro) y Diplo; pero fue incluido sin estos acompañantes en su álbum #1 1000 Forms of Fear, lanzado en julio del año pasado. Es un movimiento realmente arriesgado -comercialmente hablando- debido a la antigüedad de la canción, pero está claro que Sia hace lo que hace por el amor al arte.

Por el amor al arte y porque encaja perfectamente con el mensaje que quiere transmitir, pero se deja en el tintero canciones tan buenas como "Big Girls Cry", "Eye of the Needle", "Free the Animal", y mi favorita, "Dressed in Black".

¿Os ha gustado la entrada? ¿Estáis de acuerdo con ella? Me gustaría mucho que comentarais abajo que os parece y cual creeis que es realmente para vosotros el significado de este maravilloso vídeo. Porque muchos podremos tener diferentes puntos de vista sobre el corazón elástico de Sia, pero todos coincidimos en que este vídeo va a ser uno de los mejores de este año.

"El padre intenta escapar de esta cárcel y a su vez, de los ataques de su hija"

Arriba: Stan
Abajo: Phil

"Pero el miedo de que sea Stan hace que su
instinto de protección le haga morderle la
mano"

Significado del vídeo "Pills N Potions": el amor tóxico

Estaba esperando a que se estrenase el vídeo del último single de Nicki para dar por confirmado que este se trata de su comeback oficial. Y gracias a Dios, el vídeo no se ha demorado demasiado después que la canción en sí se diese a conocer (sólo 2 semanas). Además, así de paso os presento el tema, que aún no os he hablado de él.

"Pills N Potions" es una balada con rap con un tufillo bastante destacable a "Wrecking Ball" (mismo sonido, tema y productores), la cual trata sobre que, aunque se intente superar una mala ruptura a base de "pastillas y copas", el amor es más fuerte que eso: por mucho que uno intente "colocarse" -ya sea metafóricamente mediante distracciones o literalmente con sustancias depresoras- para superarlo, no puedes dejar de querer a esa persona (aunque te haya hecho daño).

Y el vídeo... Hombre, podría ser peor. No da vergüenza ajena, y tiene cierto toque elegante (dentro de lo que cabe). Es sencillo, pero resultón. Con una especie de líquido metálico -papel albal- que aparece recurrentemente en forma de lágrimas y humo, la cual para mí es una representación de una sustancia tóxica que hace referencia a los sentimientos que emanan de un amor dañino, que va poco a poco filtrándose del cuerpo como el que elimina toxinas cuando suda.

Muy buen inicio para una era que promete ser la más seria de la rapera de los miles de alter egos. Esperemos que The Pink Print esté a la altura.

Significado del vídeo de Chandelier: el miedo enterrado en alcohol

Allá por Marzo os hablé sobre el primer single de Sia después de su salto al mainstream: Chandelier; el cual no había podido despegar hasta el día de hoy. Y es que el vídeo -raro de narices, las cosas como son- ha sido el punto viral que le hacía falta para que su música finalmente arrancase.

La canción, para quien aún no la haya escuchado, trata sobre los problemas que la propia artista tenía con el alcohol y las drogas a comienzos de su carrera, los cuales consumía en fiestas para poder "enfrentarse" a sus miedos.

Y es que desde que vi la reciente actuación de Sia en el programa de Ellen (en la cual actuó literalmente escondida en una esquina), me ha estado rondado por la cabeza cual es el significado y relación que pueden tener la canción y el vídeo, puesto que a primera vista no tienen prácticamente nada en común.

Al final, y tras muchas vueltas, he llegado a la conclusión de que la pequeña bailarina Maddie Zidgler es la propia Sia (por algo lleva esa peluca), o al menos una versión de ella -su yo interior, que representaría su racionalidad-, la cual está inhibida y sola en esa casa debido a los efectos del alcohol. Con eso se explicaría la aparición de esos colchones desmenuzados tan propios de gente que consume dichas sustancias.

Y he podido llegar a esto gracias a que durante el vídeo se ven como cuadros terroríficos, que serían una representación del miedo, el cual está oculto por el alcohol, pero no del todo ya que quedan resquicios de él. Por lo que el concepto final del vídeo vendría ser el mismo que el de la canción: enterrar el miedo y la razón mediante una capa de alcohol, y superar el dolor inhibido mediante fiestas (de ahí los bailes y la letra del tema). 

También quiero destacar un par de partes del vídeo: el momento en el que simula un ahorcamiento con las cortinas, una representación de un intento de suicidio -sobretodo por el gesto ese que hace de despedirse mientras se desploma-; y en el que se frota las manos en los ojos para resaltar ese sentimiento de tristeza (el precioso baile de Maddie va tan sincronizado y acorde a la letra de la canción que me ha hecho la entrada bastante fácil de realizar).

Bastante profundo, lo no ayuda a que me deje de gustar este temazo, uno de los mejores cortes de este año. Esperemos que su álbum 1000 Forms of Fear esté al nivel de esta lámpara de araña.

Magic! está dispuesto a comerse el verano con "Rude"

Ya tenemos uno de los primeros candidatos para competir para ser la canción del verano del 2014. ¿De qué estilo creéis que se trata? ¿Pop? ¿Dance? ¿R&B? Pues no, no y no. El tema del que os voy a hablar es de reggae.

Después de haber cosechado un enorme éxito en Australia y haber participado en el último disco de Shakira, el grupo canadiense Magic! se está dando a conocer con su pegadizo single "Rude". Y es que su sonido es tan veraniego que es imposible no imaginárselo sonando en las emisoras más importantes del país durante la hora de la siesta en Junio, o tumbado a la bartola tomando el sol durante el mes de Agosto.

El sonido es más veraniego que lo que viene a ser el contenido de la canción, ya que trata sobre una pedida de mano fallida debido a un suegro cabezota (como se puede ver en el vídeo, que es algo cutrecillo).

¿Creéis que llegara lejos y superará en ventas a "Am I Wrong?" ¿Logrará consolidarse en España? Son preguntas que aún no tienen respuesta. Lo único que sabemos es que lo está petando ahora y mucho en EE.UU.

El hit indie 2014: "Am I Wrong" / Nico & Vinz

Ya estaba echaba en falta el indie-pleasure de este año, ya que la fórmula de tener una canción poco conocida en lo alto de las listas se repite todos los años: en 2011 tuvimos "Pumped Up Kicks", 2012 "Somebody That I Used To Know" y el año pasado fue "Royals".

Este año apunta a ser del dúo noruego Nico & Vinz, el cual, aunque lanzasen esta canción el año pasado, lo están petando bastante ahora mismo con ella en el mercado estadounidense. Y es que "Am I Wrong" tiene un sonido que se queda entre lo ochentero y el "When I'm Gone (Cups)" que a mi personalmente me gusta y mucho.

El tema trata sobre elegir las que una persona cree que son decisiones correctas para dirigir su vida, aunque la gente le diga lo contrario. Vamos, lo que viene a ser el tema hipster mainstream que escucháremos durante los próximos meses.

¿Os gusta? ¿Creéis que dará el salto a España?

Significado del vídeo de "G.U.Y.": el renacimiento de Gaga y ARTPOP

ADVERTENCIA: esta entrada ha sido realizada con el fin de intentar comprender el significado de "G.U.Y. - An ARTPOP Film". Si al receptor le parece excesivamente largo dicho contenido, se recomienda detener la lectura. Dicho artículo ha sido creado por un monster, para monsters.

Tras varias polémicas, un continuo saldrá o no saldrá el vídeo de DWUW y siete largos meses sin ningún clip de Gaga, finalmente... ¡HABEMUS VÍDEO!

Y me atrevo a decir que este ARTPOP Film sino es el mejor proyecto de Gaga, es uno de los mejores. Fotografía, música, trama, COREOGRAFÍA y un significado oculto con puyas para dar y regalar. Tres canciones aunadas en siete minutos muy gráficos. ¿Te lo vas a perder?

• ARTPOP (I try to sell myself but I am really laughing, because I just love the music not the bling)

El clip comienza con una Gaga moribunda, vestida de ángel caído, del cual unos hombres trajeados no hacen otra cosa que atrapar billetes de manera inhumana mientras esta se desangra. Se levanta cuando estos se van y se puede apreciar como esta tiene una flecha atravesada en su pecho. Dicha secuencia es una metáfora de lo que le ha ocurrido a la era ARTPOP: se presentó como algo artístico, pero los ejecutivos (altos cargos de su discográfica) solo les importaba el dinero, por lo que no les importaba el final de este y decidieron sacrificarlo cuando este se hundía para mantener así su dinero. 

También es una representación de todo el dolor que ha sufrido Gaga en esta etapa: su cadera rota y su retirada de los medios debido a una depresión, el cual se materializa en el vídeo como forma de "flecha" (puñalada) y que se manifestó en el SXSW Festival con su viral actuación del vómito (de la cual os hablaré más adelante).

Por lo que ella rompe la flecha (se separa de su dolor, y rompe con su mánager y toda la gente que ha querido aprovecharse de ella) y se dirige con paso débil al castillo Hearst, un lugar seguro donde refugiarse. En un último esfuerzo se desploma en las puertas del mismo y los guardias del portón la conducen adentro, terminando así la primera parte del corto, cuyo tema central es la caída de Gaga y la explicación de la decadencia de su éxito.

• VENUS (When you touch me, I die just a little inside/I wonder if this could be love)

La intérprete de "Gypsy" es llevada por los guardias a la picina del castillo, acompañada y ayudada por sus seres queridos (lo cual explica el apoyo que Gaga recibió por parte de ellos para superar dicha depresión), y es hundida en el agua mediante una especie de ceremonia fúnebre, en la cual se entierra su pasado y su dolor para renacer -concepto de esta parte, ya que hace alusión al (re)Nacimiento de Venus de Boticelli. Se ha deshecho de su dolor y de la gente que la oprimía, por lo que ahora puede liberarse a sí misma y su creatividad.

Curiosamente, a lo largo del vídeo aparecen repetidamente un grupo de musas que fingen tocar instrumentos, sonriendo falsamente a la cámara y todas vestidas iguales; una clara crítica a la industria del pop, en la cual no hace falta tener talento, solo sonreír y someterte a las ordenes de los directivos de tu discográfica. No importa el talento; solo la apariencia, preparando así terreno para el pilar central de la parte principal del corto.

• G.U.Y. (I'm gonna wear the tie, want the power to leave you/I'm aiming for full control of this love)

Siguiendo el argumento del vídeo, Lady Gaga finalmente renace del agua y sale vestida de blanco: sanada, sensual y renovada. Su look también cambia radicalmente, con un estilo influenciado por Donatella, haciendo hincapié en su contrato con Versace de este año.Y no solo eso, sino que en la mayoría del vídeo aparece rodeada de flores, dando a pensar que la primavera ha llegado para ella (de ahí que el vídeo se subiese en el equinoccio de primavera) y ahora está floreciendo, renovando así sus pétalos y dejando crecer hojas nuevas.

Dejando eso de lado y la ÉPICA COREOGRAFÍA que desarrolla, Gaga hace acto de presencia en una habitación junto con un desarrollador de Minacraft (aunando de nuevo pop y tecnología, elementos por los que ella se caracteriza) para producir una nueva raza que acepte la creatividad y viva sin egoísmo ni avaricia. Para ello revive a cuatro personajes icónicos: Michael Jackson, Jesucristo, Ghandi y John Lennon (el cual no es mostrado en el vídeo por falta de permiso), hombres que buscaban el amor y la paz y fueron traiconados por personas cercanas a ellos, al igual que ella.

Extraen el ADN de estos caballeros y los insertan en clones (GUYs) con los cuales atacar a los hombres que se aprovecharon de ella al principio del clip, cobrando así su venganza.

Finalmente va al encuentro de dichos ejecutivos y los engatusa con dinero para atacar así a los peces gordos que le "dispararon la flecha", mostrando así la rabia contenida por el dolor que antes comenté. Todo esto es una referencia que Gaga realiza para expresar su odio a la -actual- industria del pop, su intención de venganza y su lucha para llevar las riendas de su propia carrera. Este es el tema que principalmente se trata en el vídeo.

Y os preguntaréis: ¿y que tiene este vídeo que ver con el significado REAL de la letra de G.U.Y.? Pues bastante, ya que es una alegoría a la misma.  La letra original habla sobre una mujer que le gusta sentirse sometida en el sexo, pero no desea sumisión dentro de la pareja, sino que sea ella misma la que lleve las riendas de esta: ella desea el control de la pareja.

Así que cambiad el concepto "sexo" en la canción por el concepto "carrera artística" y ya encontraréis vosotros mismos la relación entre el vídeo y la canción.

Sin duda uno de los mejores y más completos vídeos de Gaga. Los siete meses de espera han valido la pena.

• EXTRA: ¿Por qué a Gaga le vomitaron en el SXSW Festival?

Ha sido carne de polémica y uno de los temas más virales de este año: Gaga siendo vomitada en directo. 

Con ello no pretende incitar a la bulimia ni glamurizarla ni mucho menos (sería absurdo, ya que ella misma la padeció). Tan solo era una forma de expresión en el cual manifestar un sentimiento de rabia y dolor acumulado hacia la industria del pop, como bien se puede apreciar por el duro sonido rock aplicado a "Swine" y el "FUCK YOU, POP MUSIC!" del final.

"human": la íntima balada de Christina Perri que te emocionará

Tras el enorme éxito que vivió en 2011 al ser la artista principal en ponerle voz a la banda sonora de Crepúsculo con la enternecedora "A Thousand Years", Christina Perri ha vuelto para quedarse y dominar el mercado de las baladas.

Su última aportación a la música es su nuevo single "human": un corte frágil y emotivo que trata la imperfección humana, la que nos diferencia de las "perfectas" y "correctas" máquinas. 

En ella se ve como ella ha soportado por demasiado tiempo una relación en la que no se encontraba cómoda, y que no ha sido capaz de aguantar por más tiempo ya que es humana y tiene sentimientos. Puede actuar como una máquina y hacer todo lo que su pareja le pida para hacerla feliz, pero toda máquina finalmente termina desgastándose con el tiempo y por el uso, y se rompe.

Con mucha metáfora y un vídeo más correcto y acorde a su tema que realmente efectivo, Christina nos anuncia que su nuevo disco saldrá al mercado en un par de días con el título de "Head or Heart" (1 de Abril).

Significado del vídeo de Dark Horse: ¿dónde está el caballo de Katy Perry?

Pues eso mismo me pregunto yo, porque mira que he visto el vídeo veces y ni rastro de ningún equino.

Lejos -muy lejos- de batir el récord de visitas en 24h, el vídeo de "Dark Horse" es uno de los vídeo más curados de la colección de Katy Perry. No es de extrañar que Katy se refierese a esta etapa como una más visual, en la que cada clip sería una minipelícula y un tributo al cine: partiendo de "Tarzán" (Roar) y pasando por "El Gran Gatsby" (Unconditionally), llegamos a "Cleopatra".

Con un toque colorido cual vídeo de Nicki Minaj y mucho elementos cómicos, Katy en vez de cargarse el mensaje oscuro de "Dark Horse" lo presenta de una forma diferente: más simpática y apta para todos los públicos (lo que le ha conseguido sus ahora nueve #1s). 

La canción trata sobre una "bruja" dispuesta a destrozar a aquel que le rompa el corazón; a atacarle como si fuese un caballo oscuro, una pesadilla. Y ese mismo mensaje es expuesto en el vídeo, sólo que en vez de disfrazarse del estereotipo que todos tenemos de bruja, lo hace de hechizera egipcia.

¿Tiene el vídeo un significado? Sí; pero mezclado con muchísimos elementos que le dan gracia al vídeo (el perrito, el bolso de cocodrilo, el picante, el negro con el "carro"... jajajaja) y cierto toque comercial (la barra de stripper, Juicy J saliendo de un sarcófago). 

En el vídeo se muestra a KatyPatra sentada en su trono atendiendo a una larga fila de pretendientes, los cuales vienen siempre cargados de regalos. Todos ellos serían los hombres que tienen interés en salir con ella porque es poderosa (en el vídeo porque es Cleopatra y en la vida real porque es una celebridad rica). Y ella se da cuenta de su interés, por lo que más vale prevenir que curar: antes de que a ella le rompan el corazón, usa sus "poderes" y los destroza (en este caso, los usa para su propio interés).

Y ya al final del vídeo, vemos como aparece un faraón que le trae una pirámide como ofrenda, la cual sí que le despierta verdadero interés a KatyPatra. Esto, ya en mi opinión personal, me lo tomo como que la pirámide es un símbolo de una promesa importante: ya sea iniciar una relación o incluso una pedida de mano en matrimonio. 

Y a continuación vemos como Katy se sube a la pirámide y adopta la forma de la diosa Isis (la cual tiene alas). Esto haría referencia a parte de la letra de la canción que dice: "This love will make you levitate like a bird, like a bird without a cage" / "Este amor te hará volar como un pájaro fuera de su jaula". Dicha promesa le hace a ella "levitar": sentirse bien y libre. Pero aún así ella tiene preparada su "tormenta perfecta" (destrozarte si le destrozas a ella el corazón), la cual podemos ver en la cima de la pirámide y que finalmente lanza al faraón.

Conclusión: después del divorcio de Katy con Russel, ella lo pasó fatal y empezó a mirar a los hombres de una manera más selectiva. Y para evitar que le rompan de nuevo el corazón, ella se ha vuelto más fría que antes, por lo que tiene siempre las uñas preparadas para lanzar su "tormenta". Así se asegura que el próximo no sea tan capullo y los hombres se anden con ojo con ella. Y parece ser que lo ha conseguido, ya que su relación actual con John Mayer va por buen camino, y todo ello parece que se debe a ser más selectiva.

Y la pregunta final es: ¿dónde está el caballo que tanto menciona Katy en la canción? Pues el caballo sería una metáfora de una pesadilla: de la tormenta, ira, ataques o como queráis llamarlo, que se llevaría el afortunado que le rompiese el corazón a la cantante de "The One That Got Way".

What Is Love?

Apenas quedan menos de 3 semanas para que se estrene el álbum debut de Lea Michele y ya podemos escuchar un cuarto de él -del cual ya os he presentado dos: "Cannonball" y "Louder"- y si estos ya me parecían unos temazos, este le da una vuelta de campana a ambos.

"What Is Love?". Con ese llamativo título que se caracteriza por lo directo que es, Lea presenta una balada dramática con buenos giros vocales y una melodía desgarradora. No os voy a hablar más de ella, sólo os digo que si no pasáis por buenos momentos, esta canción es bastante terapéutica y le permite a uno sacarlo todo. Os dejo con la canción con la letra traducida, porque creo que debe quedaros claro su letra: 

"What is love? What is love? You don't know what love is, 'till you love somebody bad enough.

"Into The Blue": Kylie Minogue va a lo seguro con su retorno a EE.UU

Seguida de Shakira, ya tenemos otra diva que se nos sube al carro de comebacks de 2014: ¡Kylie Minogue!

La australiana cuarentona que mejor se conserva ha decidido que este va a ser el año en el que pegue el salto a América: ha cambiando de discográfica por una en la que se centre en el mercado estadounidense (en concreto la de JAY Z, Roc Nation); pero tampoco ha dejado de lado al resto de continentes, ya que es jueza en la Voz del Reino Unido y la de Australia.

Y para su retorno no podemos decir que se haya arriesgado demasiado: la carta de presentación de su nuevo álbum -Kiss Me Once-, está hecha de un pop muy, muy comercial. No del trillado, pero sí lo justo para que no suene innovador.

Producido por Mike Del Rio ("Make the World Move", Xtina), "Into The Blue" tiene un carácter para llenar pistas de baile, un toque orquestal bastante acertado y una letra con mensaje de "me han partido el corazón, pero puedo salir adelante" (además de un "into the bluuuuue" muy pegadizo). Todos los elementos para ser una canción que pulule en el top 70 durante un par de semanas cual "Perfume" de Britney Spears.

Lo sentimos Kylie, pero el mercado estadounidense no busca canciones comerciales, busca innovación y hip-hop.

Inside the Album: BEYONCÉ / Beyoncé

Todos entramos en estado de shock cuando aquel 13 de Diciembre vimos la página principal de iTunes llena de promoción de un nuevo disco de Beyoncé, de un proyecto "visual". Un proyecto que no se anunció hasta ese día y que se esperaba a mediados de 2014. Fue una sorpresa muy, muy agradable.

La crítica se deshizo en halagos ante la estrategia de marketing tan sumamente arriesgada que el equipo de la esposa de JAY Z tomó para el quinto álbum de estudio de la intérprete. Una estrategia tan sumamente arriesgada que le ha dado varias semanas en el #1 de álbumes y ostentar el récord de ser el álbum digital que más rápido se ha vendido en toda la historia. Entre eso y el boca-oreja, el disco se ha convertido en el álbum femenino más exitoso del 2013... ¡y a tan sólo 18 días de que se acabase el año!

Pero, ¿realmente su contenido merece tanto bombo y platillo? ¿Ha vendido tanto por la calidad de su música o por la de sus vídeos? Veamóslo:

Pretty Hurts: Increíble y perfecta. No hay mejor forma de describir la intro de BEYONCÉ. Una balada de Sia que es de las pocas que no parece una copia barata de "Diamonds". En ella, Beyoncé lanza un mensaje muy social sobre cómo la búsqueda de la perfección física destruye el alma de las personas. El vozarrón y el vídeo tan crudo que tiene la convierten en una de las más imprescindibles de la carrera de la intérprete de Single Ladies.

Haunted: la primera canción que es dividida en 2 vídeos (son 14 canciones y 17 vídeos, había que dividir). La primera parte, "Ghost", es más instrumental. Producida por Boots, esta canción R&B habla sobre un "fantasma": un pensamiento que te ronda la cabeza, que percibes pero que no puedes eliminar. El "fanstama" en este caso se refiere al trabajo: de cómo la gente trabaja para sobrevivir, pero siendo infeliz con su oficio. Beyoncé tenía ya el disco terminado y listo para salir en primavera, pero lo deshechó porque no era feliz con él: el "fantasma" le rondaba por la cabeza y pensó que no era lo suficientemente bueno; porque no era tan artístico como ella lo quería (de ahí que el vídeo sea tan artístico y abstracto con sus telas) y le aburría porque era muy común y comercial, un disco para que la discográfica "sobreviviese" con sus ventas. Así que paso del primero e hizo este disco artístico rompe-récords. Moraleja: hacer las cosas para ser feliz, no para conseguir dinero.

La segunda parte, "Haunted", es de las más visuales del disco -junto con "Pretty". El vídeo es tan sumamente bueno que le da un valor añadido importante a la canción. Con elementos muy tétricos y espeluznantes, tipo "Rated R" de Rihanna, se presenta un tema con muchos matices. Es un tanto explícito, dando indicios de que este va a ser el álbum más sexual de toda su carrera (su lengua, ahora embrujada, le permite hablar sin tapujos de estos temas), y muestra como se puede rozar la locura al interpretar tantos personajes en la industria del pop.

Drunk In Love (feat. JAY Z): Bey pasa de estar loca de amor a borracha de amor en este tema con intro arábiga, chasquidos y un R&B muy resultón de Timbaland. Mucho flirteo con la sexualidad en la letra y una acertada colaboración de su marido hacen que este -ahora- single haya conseguido un mayor peak que cualquier single de su álbum anterior "4".

"Blow": ¡Cunnilingus! Todo en una base muy pop e inocente de Pharrell Williams y sin ninguna letra realmente explícita, pero tanta metáfora de "pelar cerezas" puede hacer que más de uno se ruborice al darse cuenta que el propósito a transmitir de la canción es el sexo oral femenino. Dejando de lado su mensaje, realmente es muy pegadiza y colorida. Podría funcionar bien como single de verano.

"No Angel": más de uno puede encontrar aburrida su base un tanto plana y su voz completamente en falsete a lo largo de toda la canción, pero a mí me parece bastante sensual. "Una canción dedicada a Houston, donde no hay ángeles." -así es como la describe Bey, en la cual en el vídeo podemos verla en una faceta más humana, donde demuestra que no es perfecta como los ángeles. Si no te gusta es normal.

"Partition": después de un corte R&B un tanto muermazo nos topamos con un temazo ESTRELLA dividido en dos partes: "Yoncé" y "Partition". La primera tiene la mejor base de todo el álbum, adictiva y con una faceta muy nigga nunca vista en Beyoncé. El gran

defecto que tiene es que dura menos de 2 minutos.

"Partition" sin embargo es la canción más sexual, explícita y picante que Beyoncé haya grabado nunca. Habla sobre como se enrolla (pero en lenguaje soez) con su marido en el coche. También trata otros temas sobre cómo se puede seguir siendo feminista aún siendo pasiva en la cama, rompiendo el estereotipo de que las feministas son mujeres que sólo odian a los hombres y no tienen sexo. Y el vídeo está a la altura, ya que enseña bastante carnaza y emplea movimientos no aptos para gente con problemas cardíacos. De lo mejor del disco.

"Jealous": arrancando con una introducción muy del estilo de Lana Del Rey, la intérprete de "Diva" se abre con sus celos en un tema muy sincero y auténtico, demostrando por tercera vez en el disco que ella no es perfecta y que también pueden carcomerle los sentimientos por dentro; porque aunque no lo parezca, también es humana. Sin duda, "Jealous" es la continuación dolorosa de "If I Were A Boy".

"Rocket": dejamos los celos a un lado y volvemos al sexo, que es la piedra angular de este disco. R&B que destila sensualidad por todos lados, sobretodo teniendo en cuenta que ha sido escrito entre Justin Timberlake y Miguel. El tema se resumen en una frase: "Rock'it 'til waterfalls" que se traducería a "Penetráme hasta que me corra". La señora Carter se ha quedado a gusto con este disco, que no quepa duda de eso.

"Mine" (feat. Drake): personalmente, una de las que menos me ha llamado la atención del disco. Otra canción R&B del disco. Aunque el mensaje, obviamente, es diferente: los problemas en su relación después de que su hija naciera. Drake cumple su parte -que breve no es-, pero no consigue que la canción me apasione. Al igual que su vídeo, me parece un tanto mareante, sinceramente.

"XO": lo más pop que vamos a encontrar en el disco, y ha aparecido en buen momento, puesto que tanto R&B empezaba a cansar un poco. Producida y escrita por Ryan Tedder, "XO" es un medio tempo eufórico muy de cantar en conciertos a pleno pulmón, con un mensaje muy claro y conciso: que no hay felicidad sin sufrimiento,  que hay que vivir la vida antes de que esta se acabe y que la vida es como una montaña rusa -de ahí el vídeo. Y para quien no lo sepa, "XO" significa "besos y abrazos".

"***Flawless" (feat. Chimamanda Ngozi Adichie): el SEGUNDO mejor corte después de "Partition". Feminismo por un tubo mezclado en una exquisita producción hip-hop de Hit-Boy y Boots. Empieza con el polémico fragmento de "Bow Down" que pudimos escuchar a principios de 2013, le sigue un discurso de una africana feminista que dice verdades como puños, para continuar con un retorno de la Bey nigga que conocimos en "Yoncé" y finalizar con un fragmento de como ella y su grupo perdieron un concurso de talentos a los 9 años. (#MalaLeche). De lo más bailable y destacable sin duda. ¡Arrodillarse, zorras, que Queen B a vuelto!

"Superpower" (feat. Frank Ocean): si no te gustan las canciones lentas, este no es tu tema. Una oda a lo poderoso que se siente uno al sentirse enamorado cantada a dúo con Frank Ocean. Se nota mucho la influencia del disco de este último en esta canción, ya que podría pasar por una canción de él que nadie se daría cuenta.

"Heaven": dejamos de lado el sexo, el amor y la de demostrar nuestras imperfecciones para meternos en un tema nuevo: la maternidad. "Heaven" es de lo más personal que Bey ha sacado nunca, y solo por esta canción, se podría considerar que este disco es el más íntimo de su carrera. Dolorosa y emotiva, Beyoncé se abre en un vídeo que muestra como hubiera sido su vida en un futuro en el que su hija no nata (la que murió por aborto natural antes de Blue Ivy) no se hubiese marchado antes de tiempo. Muy terápeutica si has perdido a alguien recientemente, la verdad.

"Blue" (feat. Blue Ivy): el final del disco es la otra cara de la moneda de "Heaven". Tras lo destrozada que se sintió con el aborto, Bey ha recuperado la sonrisa al criar a su primogénita con mucho amor. Tierna es poco (sobretodo con ese final tan inocente), y caribeña también.

En conclusión: cuando ves un vídeo, cambias tu mentalidad a la hora de escuchar la canción; se te mete la imagen del vídeo y los relacionas mutuamente. Pues con eso es con lo que ha trabajo Beyoncé: ha hecho un vídeo para cada canción para así potenciarlas aún más individualmente. Y esto es el concepto del álbum visual. Es el mejor disco femenino del 2013, porque -al igual que "The 20/20 Experience", el mejor masculino- Beyoncé ha sabido hacer algo que sus competidoras no hacían: innovar. Y eso es algo que le hacía mucha falta a este sector. Es un disco que busca la imperfección y lo consigue auto-afirmándose así mismo como tal, logrando mostar a una Beyoncé más humana y sexual.

• Temazos a destacar: "Pretty Hurts", "Partition", "***Flawless", "Rocket", "Heaven"
• Relleno y/o aberraciones: "Mine"

                                                                                                                                                              Nota final (9/10)