El zorreo de Rihanna en "Work" / Review de ANTi

​

Hablemos de Rihanna, que ha dado bastante que hablar en las últimas semanas. 

Sigo bastante molesto por el hecho de que Rihanna no haya incluido ninguno de los 3 primeros singles de esta era fuera de ANTi. Puedo asumir que se dejase BBHMM y American Oxygen por su relativo mal funcionamiento en las listas, ¿¡pero FourFiveSeconds!? Aunque sea de bonus track, hija.

Sin embargo es comprensible el porqué lo ha hecho: anunciar "Work" como el primer single es un borrón y cuenta nueva en toda regla. Se quita de un plumazo el flop de sus anteriores sencillos y empieza de cero. Y le ha salido redonda la jugada: la gente se lo ha tomado en serio y le han dado su catorceavo #1 a la de Barbados.

Pero la pregunta es: ¿se lo merece "Work"? ¿O ha escalado por la ansiedad de sus fans de nueva música de RiRi tras los sucesivos rumores de lanzamiento que han acompañado a esta era cada viernes desde noviembre?

La verdad es que el single mola, para que engañarnos. Sí, la letra es repetitiva e inteligible como ella sola; pero pegadiza es un rato. Y para experimentar ya está el resto del disco (del que os hablaré en un momento). El sonido dancehall le viene que ni pintado (género que ya trató con su sexto #1 "Rude Boy", con el que considero que comparte con "Work" más similitudes que el sonido), y con ello nos muestra de nuevo la versatilidad de sonido en la cual se puede mover Rihanna: es completamente todo-terreno. Así que, sí, se lo merece.

Con respecto al vídeo, el tema es extremadamente bailable, así que no le pidas peras al olmo: no esperes que este tenga un enorme trasfondo o un mensaje a trasmitir que no sea el perreo y el frotifroti.

[AVISO SPOILER] La verdad es que al ver que el vídeo duraba 8 minutos, me esperaba de nuevo un corto tipo BBHMM, pero grata ha sido mi sorpresa al ver que había otro a continuación. Muchos han etiquetado dicha unión como algo "cutre", pero a mi me parece bastante efectivo. Te permite elegir -por así decirlo- entre visuales, dándole una doble identidad al tema. Personalmente, prefiero el primero. Refleja mejor el guarrerío de la canción con esos tonos extremadamente cálidos y el ambiente ilegal y sucio de la fiesta. Considero que el segundo es "demasiado limpio" y estético (aunque se le vean los pezones a RiRi). Además, el conjunto de la primera parte me parece bastante icónico, la verdad.

INSIDE BY THE ALBUM: ANTi / RIHANNA

Siguiendo el método que ha seguido Rihanna con su vídeo, ahora os meto con calzador la review de su nuevo disco en esta entrada.

Esta era ha sido un desastre promocionalmente hablando, eso que no os quepa duda. Y la verdad es que el contenido del disco no se lo merece. Es bastante diferente a lo que RiRi nos tiene acostumbrados, y eso precisamente es lo que mola del disco: su "ANTi-cidad".

Personalmente me gusta la oscuridad que transmiten ciertos temas, ya que pienso que se adecuan mejor a la siniestra portada del mismo. Me refiero a temazos como "Desperado" o "Same Ol' Mistakes". La primera considero que es lo mejor de todo el álbum, con esos cambios de ritmo y esa sensación lúgubre que transmite. "Mistakes" es una cover de Tame Impala, más mística que oscura, pero la escucha se me hace increíble, y la letra es una reflexión sobre el amor maravillosa: "te sientes como una persona nueva, pero sigues cometiendo los mismos errores."

Algo que realmente me ha sorprendido (y para bien) es la capacidad vocal que la intérprete de "Man Down" despliega en temas como "Love on the Brain" y "Higher". Doo-wop pop y una balada tipo Etta James, respectivamente. Sin duda con ambas canciones, la mujer ha acallado todas esas voces que decían que ella no sabe cantar.

A los que echabais de menos a la RiRi más clásica, estáis de suerte: la faceta comercial no la ha abandonado del todo. "Consideration", "Work" y "Kiss It Better" tienen todas las papeletas para ser los sencillos de esta era.

El broche perfecto final lo pone "Close To You", una preciosa e intima balada de las que te dejan erizan la piel y transmiten cierta aflicción y nostalgia. El resto de temas que no he mencionado no me han llamado la atención especialmente la verdad.

En resumidas cuentas, esta era me recuerda en cierto modo a Rated R (aunque no consigue sobrepasar la genialidad de ese disco), ya que sigue su misma estructura: abandono del pop comercial facilón, apoyando el funcionamiento del disco en un single dancehall  que poco representa al conjunto del disco ("Rudeboy" / "Work"). Sin embargo, "ANTi" se distancia de esa obra maestra en que RiRi se ha arriesgado más experimentado con nuevos sonidos. Y eso es digno de reconocimiento, por mucho actitud antagonista que promueva.

Inside the Album: Revival / Selena Gomez

Renacimiento (Revival): "acción de volver a la vida, después de haber muerto."

Con esa palabra tan poderosa nos presenta Selena Gomez su segundo álbum de estudio en solitario, con una portada que es toda una declaración de intenciones y que desprende madurez por los cuatro costados. Cabe resaltar que es su primer álbum post-Disney, por lo que el hype ha estado bastante alto desde el estreno de aquel maravilloso "Good For You" y su mejor aún "Same Old Love". ¿Ha sabido este disco sobrellevar esas monstruosas ganas de renacimiento musical de Gomez? Veámoslo.

El disco se divide en dos mitades, la primera presentada por "Revival" y la segunda por "Survivors". Me parece bastante interesante dicha división, puesto que ambas palabras tienen definiciones totalmente antónimas. Mientras que "Revival" implica muerte, para dar lugar a una nueva vida; "Survivor" es la supervivencia la misma, manteniéndose vivo.

La primera parte nos muestra a la nueva Selena, la que ha renacido, y no pueden presentárnosla mejor que con la maravillosa intro del disco. "Revival" tiene fuertes percusiones y un sonido bastante exótico para el pop electrónico al que nos ha tenido acostumbrado la intérprete de "Love You Like Love Song". Sin embargo, esa faceta electrónica no la abandona totalmente, puesto que la recupera en temas como la muy "Ghost Town" "Kill Em With Kindness" y la tropical/ochentera "Me & The Rhythm". Pegadizas y muy bailables: lo que te podrías esperar en un principio de una canción de Gomez.

Una de las notables influencias de este disco es el R&B, que se deja ver en temas como el conocido "Good For You" y la todavía más sensual "Hands To Myself", el más reciente sencillo del largo y una perfecta representación de que la nueva Selena no ha hecho más que despertar. Muy íntima y la combinación justa de elegancia y erotismo. El videoclip es perfecta muestra de ello:

Y no solo es sensual la nueva Selena, sino que además tiene carácter; carácter para decir basta cuando piensa que es oportuno. A su relación con Justin Bieber me remito. Ejemplo perfecto de ello es "Same Old Love", en la que se despide de una larga relación tóxica mediante una elegante producción apoyada en los coros de Charli XCX. 

Esta línea prosigue en temas como "Sober" y "Camouflage", en las que continúa de cierta forma con dicha despedida. No obstante, aunque el mensaje es bonito, ambas se quedan a medio gas y no llegan al nivel en el que se encuentra el resto del disco.  "Sober" es algo sosaina y "Camouflage" -siendo la balada principal- no logra transmitir nada.

Pero antes de "morir" definitivamente ("matando" a su frágil antigua yo) y renacer, pudo sobrevivir al dolor, y eso es lo que nos presenta la segunda mitad del álbum, encabezada por uno de los mejores temas de Revival: "Survivors" tiene una letra preciosa sobre sobrevivir a una ruptura y una producción tropical/house -al más puro estilo "What Do You Mean"- exquisita. Fue de mis favoritas nada más escuchar el álbum y lo sigue siendo a día de hoy 4 meses después.

En esta segunda mitad es en donde se recupera la fórmula de las canciones de la antigua Selena, solo que con un toque más sensual y un sabor más latino. "Body Heat", "Outta Of My Hands (Loco)" y "Me & My Girls". Es lo más bailable que vamos a encontrar aquí, y en cierto modo se agradece, ya que estamos hablando de una artista más pensada para bailar que para emocionar con baladas. De estas tres quiero resaltar sobretodo "Me & My Girls": esa mezcla de western con electrónica es genial, pero el mensaje feminista de "You don't understand, I don't need a man" es la verdadera guinda de la canción. Ojalá que sea sencillo, porque más de una vez lo he dado todo con ella.

Si aún así echabas de menos a la Selena frágil de "The Heart Wants What It Wants", tranquilo que también hay algo para ti. Concretamente 3 temas: "Nobody", "Perfect" y "Cologne". Estas, a diferencia de "Camouflage" sí logran trasmitir algo. Especialmente "Perfect", en donde se ve lo mucho que le ha afectado a la intérprete de "Love Will Remember" los cuernos que Justin le puso a ella en su momento. El arpa y su voz apenada ayudan bastante a sumergirse en el ambiente de celos que la rodea.

Y finalmente nos encontramos con "Rise", con un mensaje perfecto para cerrar el álbum aunque una producción un tanto aburrida: coros y algo de reggae.

En definitiva, Selena Gomez sí que ha conseguido renacer musicalmente, sin atascarse en lo mismo de siempre ni pasar de un extremo a otro como hizo Miley en su momento; con algo de relleno de por medio, pero se lo perdonamos por el concepto de las dos Selenas y por los numerosos temazos que contiene el álbum.

Posibles singles:  "Survivors", "Me & My Girls", "Me & The Rhythm".
Relleno: "Camouflage", "Rise".

Inside the Album: 25 / Adele

¿Qué mejor manera de empezar el 2016 que estrenando la primera entrada del año nuevo con el que ha sido el álbum más exitoso del año anterior? Sí, amigos. Me estoy refiriendo al aclamadísimo y arrasador 25 de Adele, el único álbum capaz de postularse como el más vendido de un año con apenas dos meses en el mercado: 12 millones y subiendo. Y en plena decadencia de ventas en álbumes. Más mérito imposible.

Pero, ¿realmente ha sido necesario tanto tiempo para preparar este disco? ¿Se adecua su calidad realmente a todos los récords habidos y por haber que está rompiendo o no se merece tanto bombo conseguido por efecto rebote de su maravilloso 21?

"Hello". Puede parecer una tontería ponerla de intro, pero teniendo en cuenta su hiatus de 4 años, un saludo de Adele es la mejor intro posible para una era tan icónica como lo es esta. ¿Y qué puedo deciros de este temazo que no sepáis ya? Pues con que es el octavo mejor tema de 2015 queda todo dicho: potente, desgarradora y con un ritmo in crescendo que te arrancará más de un gorgorito.

Por derroteros más pop encontramos "Send My Love (To You New Lover)" y "Water Under The Bridge", en donde Adkins explota su lado más comercial. En el caso de "Lover" cuenta con la colaboración de Max Martin, dándole un toque muy Swift con la guitarrita y los coros poperos, pero sobretodo por el mensaje de te he superado, mándale tu amor a la otra. "Bridge" también es pegajosa como ella sola, y hace alusión a lo que traduciríamos al español como "agua pasada": ella se está enamorando y se siente muy insegura por ello porque piensa que su amante le va a dar de lado, la olvidará y pensará en ella como agua pasada. Bastante temazos ambos y con altas posibilidades de ser singles en un futuro, la verdad.

Sin embargo en este disco también hay espacio para la Adele más clásica, como nos desmuestra "I Miss You". Producida por un habitual de la británica (Paul Epworth), nos encontramos de vuelta con la versión más entristecida de la intérprete de "Rolling In The Deep". Oscura, profunda y una clara muestra de dependencia nocturna son lo que mejor definen este tema. Y en el mismo ambiente lúgubre hallamos "River Lea". Aquí canta que dicho río es el lugar donde acudió a llorar cuando le rompieron el corazón, y relaciona dicho lugar con la angustia que le produce el desamor. Por eso le echa la culpa al río Lea de que use y haga daño a las personas para intentar sanar su propio corazón (un clavo saca a otro clavo); le echa la culpa a su anterior relación.

La nostalgia también es tratada en 25 por esta Adele clásica. Si os gustaron los baladones "Someone Like You" o "Set Fire To The Rain", "When We Were Young" es vuestra canción. Orgánica y emotiva, Adele derrocha todo su vozarrón acompañada con un maravilloso coro en este tema firmado por Ariel Rechtshaid. De lo mejor que ha presentado Adele en su carrera y, obviamente, lo mejor del disco.  

Igual de nostálgica pero más pausada es "Million Years Ago", que con un sonido acústico muy agradable, nos presenta lo doloroso que puede ser darse cuenta de lo rápido que pasa el tiempo y como este nos hace cambiar.

Pero, ¿qué sería un disco de Adele sin que tratase las relaciones de la manera más dramática posible? Pues un disco de Taylor Swift no, seguro. "Love In The Dark" y "All I Ask" son las canciones dramáticas por excelencia en 25. "Love In The Dark" narra mediante una preciosa orquesta la dificultad que le supone a ella tener que romper con alguien a quien ella no ama; mientras que "All I Ask" es mucho más sencilla, ya que cuenta solo con la apenada voz de Adele acompañada exclusivamente de un piano. Es de mis favoritas, ya que me siento bastante identificado con su letra (co-escrita con Bruno Mars). Merece la pena que le echéis un vistazo a la misma, porque es bastante cruda.

Y para cerrar el álbum (como buen disco post-maternidad que es, véase BEYONCÉ), Adele realiza un tributo a su hijo en la preciosa "Sweetest Devotion". Aunque dicho tributo y amor de madre está mejor representado en la sincera "Remedy".

En conlusión: ¿ha conseguido superarse Adele a sí misma con 25? Pues la verdad es que sí. La británica ha evolucionado de un sonido soul a uno más pop, pero sin perder su seña de identidad, y eso es digno de reconocimiento. No es mejor que 21, pero su calidad justifica la sequía de material de estos últimos 4 años. Por lo que sí: la espera ha merecido la pena.

Posibles singles: "When We Were Young", "Send My Love (To New Lover)", "Water Under The Bridge", "All I Ask".
Relleno Buenos temas que no serán singles: "River Lea", "Sweetest Devotion"

Inside the Album: E•MO•TION / Carly Rae Jepsen

​

A estas alturas, prácticamente todos los medios han publicado sus listas de lo que opinan que son los mejores temas y álbumes de 2015. Y si en algo concuerdan todos es en que han incluido en sus respectivas listas el E•MO•TION de Carly Rae Jepsen, para muchos una obra maestra y uno de los trabajos más injustamente infravalorados de los últimos años.

Y no es para menos, ya que el tercer trabajo de la canadiense es toda una joyita pop, con productores de primera línea y un sonido que representa mejor el sonido de los '80s que el propio 1989 de Taylor Swift. Pero aún siendo una delicia en su totalidad, siempre hay temas que destacan sobre el resto, y es de esos precisamente sobre los que os voy a hablar. 

La voz de Carly siempre ha sido especialmente melosa, pero en temas como "Gimme Love", "Favorite Colour" o "Your Type" esa dulzura es llevada hasta el extremo. El synth-pop le sienta como un guante a la intérprete de "Curiosity", pero lo que realmente cala es la inocencia de su voz: al ponerse temas como los que acabo de citar, un escalofrío, una sensación de vulnerabilidad se apodera de uno, y unas ganas enormes de estar abrazado a alguien se convierten en prioridad.

Por otro lado encontramos "Run Away With Me" y "Let's Get Lost", canciones que promulgan sentimiento de ser joven, libre y estar enamorado. La primera está producida por el colaborador habitual del Rey Midas del pop Max Martin: Shellback, y puede pecar de genérica en comparación con todo el conjunto que es el álbum, pero se salva porque Jepsen finalmente consigue hacerla suya. "Let's Get Lost" en cambio tiene un toque jazzy bastante agradable que recuerda a lo mejor de los '80s. Muy Nueva York por la noche con luces de neón todo (como bien es reflejado en el vídeo de "Your Type").

Sin embargo, lo más interesante de E•MO•TION es "Warm Blood", producida por uno de los miembros de Vampire Weekend, ganadores del GRAMMY a Mejor Álbum Alternativo en 2014. El resultado es cuanto menos sorprendente y bastante innovador para lo que estamos acostumbrados a escuchar de la canadiense. Experimentar nunca es malo, sobretodo cabiendo la posibilidad de que el posible resultado sea así de positivo.

Ahora, si me preguntáis cuales son mis opciones favoritas, os responderé que me decanto por "Making The Most Of The Night" y "All That". Ambas no solo recuperan esa vulnerabilidad de la que os he hablado antes, sino que la intensifican aún más, llegando al punto de la dependencia. Producida por Sia, la primera habla de la necesidad que surge de querer proteger a tu ser querido a toda costa. Mientras que "All That" está a otro nivel: es la composición con la mejor producción de toda el disco. Logra captar a la perfección la incertidumbre de no saber si te aman o no. De lejos uno de los mejores temas de este año.

El disco es una genialidad, y da pena que mucha gente lo asocie al flop de "I Really Like You", a la etiqueta de onehitwonder que le cuelga desde 2012 con "Call Me Maybe" y no quiera saber nada más de él. Lo que sí que está claro es que artísticamente Carly Rae Jepsen ha sabido evolucionar y no podemos estar más impacientes por saber cuál será su próximo paso.

¿Cuál es vuestra favorita del disco?

Ciara se vende al efervescente pop en "Kiss & Tell"

Poco sabíamos de Ciara desde que editase su álbum homónimo en 2013, pero en verdad su vida ha estado bastante ajetreada desde entonces: se casó con el rapero Future en octubre de ese mismo año, tuvo un hijo con él en mayo de 2014 y en ese mismo agosto firmó los papeles del divorcio debido a que este la engañó con otra. Wow...

Sin embargo, como toda buena luchadora, ha seguido adelante, trabajando en su siguiente disco, recuperando su figura y criando a su retoño, todo ella sola. Inspiración es poco.

El caso es que su disco salió a principios de este mes bajo el nombre de su madre, "Jackie", y escuchándolo así por encima os tengo que hablar de 3 temas claves del mismo que tenéis que oír ahora mismo. ¡TEMAZOS!

El primero es "One Woman Army", que aunque tenga una electrónica que pueda parecer un tanto desfasada os digo yo que es increíblemente bailable. Sobretodo el tamborileo del final. Si no te mueves con esto, hazte una revisión, ¡porque corre horchata por tus venas!

Por otro lado, "I Bet" nos muestra a la clásica Ciara con una balada R&B muy minimalista, en la cual se centra a poner a parir a su ex-marido. A veces menos es más, y su voz no puede brillar más en este corte tan exquisitamente producido.

Y me he dejado lo mejor para el final: "Kiss & Tell". ¡Temazo de los que no quedan! Muchos fans expresaron a la cantante de Texas lo bien que le sentaba el pop a su voz en "Overdose" -perteneciente a su disco de 2013-, y después de despechar más de medio millón de copias en Corea con él, llamó a uno de los mejores compositores de la historia del pop (Dr. Luke, productor de Katy Perry, Ke$ha, Britney Spears...) para que le firmase varios temas de este álbum. "Kiss & Tell" está entre ellos y es una joya de canción. Es una mezcla genial de R&B-pop y tiene un gancho en el estribillo que da bastante fuerte.

Y si os gusta "Kiss & Tell", os recomiendo que le deis una oportunidad a "Give Me Love", que tiene a los mismos productores y también tiene su aquel.

A día de hoy sigo pensando que Ciara es una de las artistas más infravaloradas de la industria. El genial "I Bet" no ha logrado pasar del #43 en EE.UU, y el disco apenas ha venido más de 20000 copias en su primera semana. Y lo peor de todo es que ya han anunciado cual va a ser el segundo single: "Dance Like We're Making Love", una balada pop bastante descafeinada. Esperemos que para el tercer intento tenga más cabeza y editen "Kiss & Tell" como single.

¿Os gusta "Kiss & Tell o preferís a la clásica Ciara que cantaba solo R&B?

Inside the Album: FROOT / Marina and the Diamonds

Tras poner el listón altísimo al editar uno de los mejores álbumes de la década, Marina decide abandonar el pop comercial de Electra Heart y descartar cualquier tipo de colaboración con los productores de moda: su tercer trabajo ha sido compuesto y escrito exclusivamente por ella -aunque en la producción se ha apoyado en David Kosten (algo por lo que debería ganar un GRAMMY, ¿verdad, Beck?)-, con el que ha vuelto a su sonido indie-pop tan característico, presentándose como el sucesor real de The Family Jewels. ¿Está loca o es un genio? Os daré una pista: el álbum es maravilloso de principio a fin. 

La voz de Marina Diamandis es única, eso es un hecho, pero en este LP no ha hecho sino reiterar lo bien que esta se adapta a diferentes géneros: bien te clava un baladón como "Happy" o "Weeds", como te presenta una maravilla synth-pop ("Blue"), un temazo pop-rock ("Forget"), una joya minimalista como lo es "Solitaire" o un tributo a la música disco ("Froot"). Su voz es realmente especial y eso es lo que la convierte en una de las mejores intérpretes pop de la actualidad. Lástima que hoy en día calidad y éxito no sean sinónimos...

Y a día de hoy os preguntaréis a qué viene el título de "FROOT". Bueno, es una manera "guay" de denominar a la fruta en inglés (y dicho esto seguiréis igual). Mi teoría es que la intérprete de "Oh No!" ha desarrollado un concepto en base al orden del tracklist del disco: la historia de la madurez de una vida como si esta se tratase de una fruta. Puede que no lo hayáis entendido así de primeras, así que permitid que me explique: el disco se abre con "Happy", una balada íntima en donde se expresa la búsqueda de la felicidad y el hallazgo del amor, el deseo más básico y que todos ansiamos desde que nacemos: el ser felices. Después la cosa se tuerce con el tema que titula al álbum: "Froot" lo que busca en cambio es la fama, la aceptación y el reconocimiento de su trabajo (que no lo digo yo, lo dice su letra).

El desamor es el siguiente tema en caer en las siguientes canciones: el egoísmo injustificado de querer "probar" a otras personas de "I'm A Ruin", la necesidad de volver a tener amor en "Blue" y la asimilación de su errores con "Forget".

Prosigue con "Gold", en donde acepta que el dinero no lo es todo en su vida. Y con ello también rechaza la fama que antes buscaba en "Froot". Por otro lado, con "Can't Pin Me Down" se reafirma a sí misma como una artista única que no puede ser manipulada por nadie (con esta letra rompe con la sumisión a la que se enfrentó durante la grabación de Electra Heart, a la que no volverá a someterse), con  "Solitarie" abraza la soledad, el ser introvertido y único, mientras que con "Better Than That" lanza una serie de puyas a una compañera suya que levantaba hombres como el viento levanta faldas.

En la recta final del disco nos encontramos tres temas clave: "Weeds", "Savages" e "Immortal". El primero, de todos los temas relacionados con el amor, es el que lo trata de manera mas compleja: habla del resquicio que a todos se nos planta en el corazón tras acabar una relación, que tarde o temprano vuelve a florecer. "Savages", sin embargo (uno de mis favoritos), sigue la misma línea reivindicativa de "Sex Yeah", solo que aquí acusa a los humanos de ser crueles por naturaleza. Finalmente, el álbum se cierra con el deseo de no perecer, ya que, tras tanta experiencia y sabiduría obtenida con los años, ¿quién desea perderla por la limitación del cuerpo?

¿Recordáis cuando antes he dicho que el disco es una metáfora en la que la vida es representada como una fruta? Bueno, pues aquí la explicación: con la primera canción se representa la inocencia de una vida recién nacida, de una fruta que comienza a crecer, y con el paso de las distintas letras, vemos cómo esta va alcanzando la madurez con temas cada vez más complejos, hasta que finalmente trata el más enrevesado de todos ellos: la muerte (la putrefacción de la fruta). Todo metáforas.

Dejando de lado todo su simbolismo, creo que Marina ha forjado un álbum genial que, si bien no llega al nivel de su obra maestra Electra Heart, poco tiene que envidiarle.

Impresicinbles: "Savages", "Blue", "Forget, "Froot", "Solitarie".

Inside the Album: Title / Meghan Trainor

9 meses. 9 meses han pasado desde que la chica de Massachusetts estrenase "All About That Bass" y se convirtiese en todo un icono mundial, con todo lo que eso conlleva. El éxito de la canción fue tal que ya muchos la condenaban a ella y a su carrera al cajón de los one-hit-wonders antes de que la muchacha pudiese demostrar su valía como próxima estrella pop. ¡Qué equivocados estaban todos ellos!

Pero, aún con todas las críticas por la excesiva fama de su tema debut, ella ha seguido adelante y se ha impuesto a ellas definiéndose a sí misma. Se ha marcado un estilo, un sello con el que poder identificarse en todas sus canciones: el doo-wop pop. 

Un ejemplo más cercano de lo que la gente esperaba de Meghan en un principio de ella es Carly Rae Jepsen: una artista con una canción extremadamente pegadiza que consigue un éxito arrollador y después de que este se deshinche, si te he visto no me acuerdo (un one-hit-wonder). Sin embargo, a diferencia de la canadiense, ella no se ha dejado arrastrar por el pop facilón de moda: ha impuesto su marca propia. Porque es cierto que ella no es la artista con más talento, ni la que tiene los mejores vocales, carisma o habilidad para componer, pero sabe cómo explotar su voz a base de pop melódico. ¡Y le sienta como un guante!

Conocido esto, podemos ver cómo Title funciona mejor en conjunto que individualmente: el disco tiene hits por los cuatro costados, pero no cojea en ningún momento.  No es como cualquier otro disco pop que tiene sus 4 sencillos perfectamente producidos y el resto está compuesto de puro relleno: la cohesión está perfectamente servida.

Aún así, siempre habrá temas que gusten más que otros, aunque todos encajen perfectamente entre sí. Para mí, los mayores temazos se encuentran (en su mayoría) al final del disco: los bonus tracks de la edición deluxe. Tanto el ritmazo de "No Good For You", como la armonía del estribillo y el puente de "My Selfish Heart", pasando por el doo-wop en estado puro de "Mr. Almost" y el buenrollismo que transmite el saxofón de "Dear Future Husband" forman parte de mis canciones favoritas del álbum.  Aunque también tengo que admitir que la letra de "3 am" y el mensaje de "All About That Bass" tampoco son moco de pavo, ya que más de uno se sentirá identificado con lo que expresan ambos temas.

Ahora, siendo objetivos (y con mi olfato para los hits) puedo augurar un par de sencillos más para este álbum: "Bang Dem Sticks", "Title" y "Walkashame". Son súper pegadizos, muy bailables, la definición de radio-friendly y tienen la palabra "single" escrita en toda su producción. Además de que con un buen par de vídeos podrían dar bastante juego.

Así que una vez escuchado el disco podemos deducir que ya nos encontramos ante una de las grandes del Olimpo del Pop, ¿no? Bueno, todavía es pronto para poder concederle ese título a Meghan. Puede que la fórmula actual le este funcionando bastante bien (es la décimo tercer mujer en conseguir colocar su primera canción y álbum en el #1, por detrás de Kelly Clarkson, Beyoncé y Kesha), pero habrá que ver si sabrá adaptar su estilo a los años venideros; porque gozar de tanto éxito ahora con un género no implica que este se vaya a mantener con el paso del tiempo, y eso Kesha lo puede explicar muy bien.

Inside the Album: Sucker / Charli XCX

Poco me queda por decir de Charli XCX; si ya os la presenté como artista el diciembre pasado, hoy me toca hablar de su segundo disco Sucker: al cual ella define como una reivindicación del girl power y una búsqueda por recuperar el pop-punk al mainstream.

En general, es un disco de canciones cortas, divertidas y enérgicas, en las que toca varios palos pero siempre dentro de una mezcla de géneros coherentes. Para empezar, el disco se abre con una declaración de intenciones: "Sucker", una canción muy desenfadada cuyo estribillo te da ganas de ponerte unos auriculares con el volumen al máximo y gritar "FUCK YOU, SUCKER!" a pleno pulmón mientras le dedicas una peineta a tu peor enemigo. 

Sin embargo no desata su rebeldía del todo hasta que llegamos a "Breaking Up", en donde pone a su ex a parir con unos filtros de voz que la hacen irresistible; la cual convierte en una divertida carisma cuando escuchamos la maravillosa "Break The Rules", muy dance pero siempre dentro de los límites del punk. Esta diversión la desarrolla en "Doing It" (recientemente remezclada con Rita Ora), uno de los temas más pegajosos del álbum; que no el mejor, ya que ese título lo ostenta "Famous", el corte más pop del disco que trata sobre colarse en una fiesta y fingir ser famoso, cuyo estribillo y puente reclaman a gritos ser single.

Aunque para himnos tenemos "London Queen", en donde expresa la euforia de llegar a EE.UU. y sus ganas de comerse el mundo. En cambio, con "Body of my Own" reivindica su derecho a masturbase, ya que su ex -el mismo al que le dedicó "Breaking Up"- no le ofrecía el suficiente placer que su cuerpo necesitaba, aunque sin duda lo más atractivo de la canción es su producción. 

Pero no todo es diversión y rebeldía en Sucker, ya que la intérprete británica también da cabida a composiciones sentimentales; como en la romántica "Boom Clap", que a pesar de desentonar un poco entre tanta guitarra consigue postularse como una de las guindas del álbum. En este línea también encontramos temas como "Die Tonight", la sesentera "Need Ur Luv" (todo un homenaje a los grupos femeninos de esta época) y "Caught In The Middle", una de mis favoritas por la facilidad con la que se te clava su estribillo.

Sucker es líneas generales un muy buen álbum, de fácil escucha y melodías pegadizas; con el que Charli ha conseguido bastante adeptos a su música (entre los que se incluye un servidor). Solo le falta un empujón para covertirse en una artista de masas, ya que -como ya os dije- nos encontramos ante el próximo gran suceso del pop.

Inside the Album: 1989 / Taylor Swift

En la industria del pop hay dos tipos de estrategias: la de Rihanna y la de Taylor Swift, las que lanzan singles y álbumes sin ton ni son -menospreciando así sus discos-, y las que lanzan un disco cada 2 años y alargan lo máximo posible su promoción, extrayendo del mismo una media de 5-6 sencillos. Han pasado ya un par de años desde que Taylor Swift sorprendiera al mundo con un disco country que se hizo de platino en su primera semana de vida, y con sus respectivos singles pop. Ese disco fue el punto de inflexión de su carrera: veíamos la primera transición al pop comercial de una artista que se había dedicado al country durante 6 años.

Sin embargo, Red no estuvo abscento de polémica: Taylor se tiró a la piscina del pop, llevándose todos los premios de la categoría country. Pero no ha sido hasta este año cuando ha sido honesta y se ha desetiquetado de dicha categoría, ya que recibir tantos premios de una categoría a la que ya no perteneces no era justo para ella ni para el resto de nominados.

Ahora, la compositora de "You Belong With Me" empieza una nueva etapa en su vida: pelo más corto, nuevo género musical, mudanza de Nashville a Nueva York y una plena soltería. Pero el hecho de que ahora esté sin pareja no implica que deje de escribir sobre sus antiguas relaciones. Es más, 1989 se centra en una en concreto, y a lo largo del tracklist del álbum va desarrollando cronológicamente cómo evolucionó ese romance:

Una chica viaja a Nueva York y se enamora de la ciudad ("Welcome To New York"), allí conoce a un chico ("Blank Space") y se queda enganchada de él ("Style"), pero pasan por un bache que no son capaces de superar y rompen ("Out of the Woods").

Tras esto, ella intenta recoger los pedazos de su roto corazón. Sin embargo, poco tiempo después él quiere volver de nuevo con ella (aunque fuese él el que la dejase); intentando arreglar una relación que nunca estuvo rota, pero la muchacha no quiere porque ya es demasiado tarde para arrepentirse ("All You Had To Do Was Stay"). Así que la chica -para intentar pasar página- se centra pasárselo bien y pasar de todo ("Shake It Off").

A pesar de todo, ella no puede contener todos los sentimientos de su interior y empieza a reflexionar y rallarse por la relación ("I Wish You Would"), hasta el punto de arrepentirse y desear que el chico pida perdón y vuelva a por ella  ("Wildest Dreams" y "How You Get The Girl"). Entre medias hay una pelea con Katy Perry, pero esto no es relevante en esta historia ("Bad Blood").

No puede resistirlo más y vuelve con él ("This Love"), y para evitar una posible nueva ruptura debido a la presión de la presa, deciden esconderlo ("I Know Places"). Pero de poco sirve, ya que vuelven a cortar y, tras mucha lágrima, finalmente ella logra superar su "adicción" a él ("Clean").

Y sí, aunque ella no lo confirme, el álbum va dirigido -en su gran totalidad- a su relación con Harry Styles: la historia de cómo lo conoció, se enamoró, lo dejó y lo consiguió superar. Aunque parece que todavía puede que haya esperanza para la relación, ya que se dice que Harry está intentando reconquistar a la 7 veces ganadora del GRAMMY (me da a mí que alguien ha escuchado "How You Get The Girl" y se está aplicando el cuento), pero esto son solo rumores.

Volviendo al álbum, no solo la historia que narra es bastante interesante, sino que su producción es exquisita. Puede pecar un poco de monopolizar su producción con Max Martin (creador del 70% del pop exitoso)  y Ryan Tedder (OndRepublic), sin embargo consiguen que no hayan dos canciones que suenen iguales. Taylor habla mucho de su influencia en la música de los '80s en este disco, algo que se verifica en temas como "I Wish You Would", la muy eficaz "Style" y la épica "Out of the Woods", pero también tenemos números tan noventeros como "How You Get The Girl" y "All You Had To Do Was Stay". Incluso cuenta con temas que suenan más actuales, que incluyen percusión ("Blank Space", "Bad Blood"), electrónica (la eufórica "Welcome To New York" y la oscura "I Know Places", ambas de Ryan Tedder); y una sección de viento que tan de moda ha estado este año ("Shake It Off").

Y podrás decir: "Yo soy un nostálgico. Prefiero a la antigua Taylor Swift." Pues tranquilo que queda reminiscencia de ella en temas tan íntimos como la minimalista "Clean" y la producida por ella misma "This Love". Si me preguntáis a mí, este álbum va a tener unos clarísimos 6 singles: "Shake It Off", "Blank Space", "Style", "Bad Blood", "Out of the Woods" y "I Know Places", e incluso incluiría "Wildest Dreams", por ese sonido tan Lana Del Rey. Os lo digo porque son mis favoritas del disco, pero os aseguro que "Style" va a ser sencillo y que será de lo más vendido del año que viene. Por mi blog pongo de testigo de que nos encontramos ante un #1 de la ex-country.

No cabe duda que este álbum va a ser uno de los más vendidos a final de año, y no solo se debe a su enorme fanbase, sino a la calidad y al mimo que Taylor dedica a cada uno de sus álbumes. Todos son de una calidad incuestionable, tanto líricamente como a nivel de producción, pero este se lleva la palma. Con él, la compositora de "Fearless" ha conseguido posicionarse en el pop, ¡y de qué manera!

Así que sólo nos queda decir una cosa. Taylor, Welcome to the Pop!

Inside the Album: Sam Smith / In The Lonely Hour

Apenas quedan 3 meses para que se termine este 2014, y por ello puedo apostar a que el artista revelación de este año está a día de hoy más que confirmado: ni más ni menos que el británico Sam Smith. Su disco, su sentimiento y sobretodo su maravillosa voz le dan todos los derechos para que se corone con este totalmente merecido puesto. Y os preguntareis a qué viene esto. Pues porque su álbum In The Lonely Hour es uno de los que más he escuchado este verano y el más he disfrutado, y se merece una entrada propia que contenga su review.

Primero os voy a admitir que -musicalmente hablando- soy una persona muy cerrada: no me suelen convencer los artistas nuevos ni su incesable deseo de que escuche sus discos, ya que por propia experiencia se qué la gran mayoría son one hit wonders y publican discos que contienen EL HIT y el resto de relleno. Con Sam me pasó igual: tenía la melodía de "Stay With Me" completamente acoplada en mi cabeza, pero su disco no me llamaba la más absoluta atención. Semanas después vi que era noticia por publicar un vídeo en el que salía Diana Aggron (Quinn de Glee), y me dispuse a escuchar su canción. Me enamoró y, como había pocos estrenos y tenía mucho tiempo libre, le di una oportunidad al disco. Se me abrió todo un mundo delante de mis ojos.

"Money On My Mind" nunca me llamó la atención (es más, en un principio la repudiaba por sus agudos y su sonido), pero con el tiempo aprendí a apreciarla, tanto a la canción como a las acrobacias vocales que Sam lleva a cabo en ella. Y así escuchando el disco un poco por encima la primera semana, me vicié a "I'm Not The Only One" (la del vídeo de Diana), "Leave Your Lover", "I've Told You Now", "Like I Can" y mi favorita de todo el álbum: "Make It To Me". Todas baladas sobre el desamor con gran potencia vocal. Maravillosas, atemporales y orgánicas. El resto no me llamó hasta que fui escuchando el disco completo en bucle durante las siguentes semanas.

Ahora mismo las que están atascadas en mi cabeza son "Not In That Way", un corte a base de acordes de guitarra bastante triste; "Lay Me Down", un temazo en el muestra su rango vocal en todo su esplendor; y "Restart", el último single anunciado y que desentona un poco entre tanta balada al ser una canción con toques ochenteros, pero a base de escucharla te enamoras de sus falsetes y su piano disco.

Os aseguro que no os arrepentiréis de escuchar el disco entero, ya que es uno de los pocos que me gustan en su totalidad (a la par que los últimos de Christina Perri y Lana Del Rey) de los lanzados este año, incluyendo los bonus tracks y todo; y no hay suficientes copias vendidas que certifiquen a este álbum como uno de los mejores de este 2014, por lo que espero que le caiga algún Grammy.

¿Qué? ¿Aún no habéis escuchado In The Lonely Hour? Pues si habéis leído esta review de 10, no sé a qué esperáis para darle una oportunidad.

Si no habéis visto todavía el vídeo con el que empezó mi fanatismo, os lo dejo aquí abajo. Tiene buena trama y una convincente actuación por parte de la novia (además de que está empezado como canción a despegar en las listas, y tiene toda la pinta de relevar a "Stay With Me" en cuanto a éxito se refiere).