Sigo muy disgustado con Iggy y a día de hoy no entiendo por qué se retocó la cara si era preciosa. Ahora parece una muñeca de plástico a la que le han picado 50 avispas... Pero la noticia que la rapera australiana ha dado me ha recordado lo mucho que me gustó su música en 2014: su nuevo álbum Digital Distorsion saldrá a principios de este año y el primer sencillo en algún momento entre febrero y marzo.
Sin embargo, para hacernos más amena la espera, ha compartido un primer corte de este esperadísimo segundo disco. Se titula "AZILLION" y la verdad es que es todo un temazo. Rap de versos feministas y empoderadores, una base hip-hop con tintes electrónicos bastante chula y energética, y un puente y estribillo con lo justito de pop. ¿Y qué decir de la outro? ¡Es genial! Y todo ello sin colaboración de nadie. Ella se lo guisa, ella se lo come.
La verdad es que si la dirección del álbum va a seguir este estilo, la cosa va a pintar muy, pero que muy bien. Y lo cierto es que es precisamente lo que la intérprete de "Fancy" necesita después de lo criticada que ha sido todo el 2015 y de lo mal que le ha sentado a su carrera el flop de "Pretty Girls".
"AZILLION" sirve como buzz single, por lo que no estará disponible oficialmente en ninguna plataforma hasta el lanzamiento del disco. Pero aún sin ser single oficial, Iggy ha anunciado que este tema va tener vídeo propio. ¿Ganas de Iggy? Sí, y muchas.
¿Os gusta lo nuevo de Iggy Azalea? ¿O la preferís verseando mientra una artista pop (siempre femenina) la acompaña cantando los estribillos?
¿Qué mejor manera de empezar el 2016 que estrenando la primera entrada del año nuevo con el que ha sido el álbum más exitoso del año anterior? Sí, amigos. Me estoy refiriendo al aclamadísimo y arrasador 25 de Adele, el único álbum capaz de postularse como el más vendido de un año con apenas dos meses en el mercado: 12 millones y subiendo. Y en plena decadencia de ventas en álbumes. Más mérito imposible.
Pero, ¿realmente ha sido necesario tanto tiempo para preparar este disco? ¿Se adecua su calidad realmente a todos los récords habidos y por haber que está rompiendo o no se merece tanto bombo conseguido por efecto rebote de su maravilloso 21?
"Hello". Puede parecer una tontería ponerla de intro, pero teniendo en cuenta su hiatus de 4 años, un saludo de Adele es la mejor intro posible para una era tan icónica como lo es esta. ¿Y qué puedo deciros de este temazo que no sepáis ya? Pues con que es el octavo mejor tema de 2015 queda todo dicho: potente, desgarradora y con un ritmo in crescendo que te arrancará más de un gorgorito.
Por derroteros más pop encontramos "Send My Love (To You New Lover)" y "Water Under The Bridge", en donde Adkins explota su lado más comercial. En el caso de "Lover" cuenta con la colaboración de Max Martin, dándole un toque muy Swift con la guitarrita y los coros poperos, pero sobretodo por el mensaje de te he superado, mándale tu amor a la otra. "Bridge" también es pegajosa como ella sola, y hace alusión a lo que traduciríamos al español como "agua pasada": ella se está enamorando y se siente muy insegura por ello porque piensa que su amante le va a dar de lado, la olvidará y pensará en ella como agua pasada. Bastante temazos ambos y con altas posibilidades de ser singles en un futuro, la verdad.
Sin embargo en este disco también hay espacio para la Adele más clásica, como nos desmuestra "I Miss You". Producida por un habitual de la británica (Paul Epworth), nos encontramos de vuelta con la versión más entristecida de la intérprete de "Rolling In The Deep". Oscura, profunda y una clara muestra de dependencia nocturna son lo que mejor definen este tema. Y en el mismo ambiente lúgubre hallamos "River Lea". Aquí canta que dicho río es el lugar donde acudió a llorar cuando le rompieron el corazón, y relaciona dicho lugar con la angustia que le produce el desamor. Por eso le echa la culpa al río Lea de que use y haga daño a las personas para intentar sanar su propio corazón (un clavo saca a otro clavo); le echa la culpa a su anterior relación.
La nostalgia también es tratada en 25 por esta Adele clásica. Si os gustaron los baladones "Someone Like You" o "Set Fire To The Rain", "When We Were Young" es vuestra canción. Orgánica y emotiva, Adele derrocha todo su vozarrón acompañada con un maravilloso coro en este tema firmado por Ariel Rechtshaid. De lo mejor que ha presentado Adele en su carrera y, obviamente, lo mejor del disco.
Igual de nostálgica pero más pausada es "Million Years Ago", que con un sonido acústico muy agradable, nos presenta lo doloroso que puede ser darse cuenta de lo rápido que pasa el tiempo y como este nos hace cambiar.
Pero, ¿qué sería un disco de Adele sin que tratase las relaciones de la manera más dramática posible? Pues un disco de Taylor Swift no, seguro. "Love In The Dark" y"All I Ask" son las canciones dramáticas por excelencia en 25. "Love In The Dark" narra mediante una preciosa orquesta la dificultad que le supone a ella tener que romper con alguien a quien ella no ama; mientras que "All I Ask" es mucho más sencilla, ya que cuenta solo con la apenada voz de Adele acompañada exclusivamente de un piano. Es de mis favoritas, ya que me siento bastante identificado con su letra (co-escrita con Bruno Mars). Merece la pena que le echéis un vistazo a la misma, porque es bastante cruda.
Y para cerrar el álbum (como buen disco post-maternidad que es, véase BEYONCÉ), Adele realiza un tributo a su hijo en la preciosa "Sweetest Devotion". Aunque dicho tributo y amor de madre está mejor representado enla sincera "Remedy".
En conlusión: ¿ha conseguido superarse Adele a sí misma con 25? Pues la verdad es que sí. La británica ha evolucionado de un sonido soul a uno más pop, pero sin perder su seña de identidad, y eso es digno de reconocimiento. No es mejor que 21, pero su calidad justifica la sequía de material de estos últimos 4 años. Por lo que sí: la espera ha merecido la pena.
Posibles singles: "When We Were Young", "Send My Love (To New Lover)", "Water Under The Bridge", "All I Ask". Relleno Buenos temas que no serán singles: "River Lea", "Sweetest Devotion"
"Hello. It's me."Con esas pocas palabras Adele ha conquistado el mundo con el mayor y más exitoso comeback de la historia de la música. Y con esas misma palabras pretendo reconquistaros a vosotros tras este largo hiatus de mi actividad en el blog.
¿Qué deciros de la canción que no sepáis ya a estas alturas? ¿Que es un temazo y uno de los temas más icónicos de los últimos años? No cabe duda de ello, pero me gustaría centrarme más en su vídeo, que es el epicentro del éxito de este monstruoso hit (con él ha batido todos los récord habidos y por haber que puede romper una obra visual).
B&W: pasado / Sepia: presente
Adele habla en "Hello" sobre la reconciliación, no solo con una pareja (que también), sino con un amigo, un familiar, y especialmente con uno mismo. Se trata de retomar el contacto con una relación perdida, de ahí esa simbología con los teléfonos, objetos que empleamos para hablar a distancia con alguien con quien nos cuesta más mantener el contacto de una forma más directa; y que sirve a su vez como la perfecta representación de retomar su relación con el mundo y sus fans tras su descanso de 4 años. Pide la redención después de un abandono, y esto es aplicable en prácticamente todos los ámbitos. Todo encaja a la perfección.
Es destacable también la yuxtaposición de escenas y saltos temporales en el vídeo. Poca gente se ha dado cuenta que no en todo el vídeo se filtra en el ya reconocido tono sepia, sino que también hay trozos en blanco y negro. Las escenas en sepia son una representación del presente, en el que busca el perdón de esa supuesta pareja a la cual llama por teléfono; mientras que las escenas filmadas en blanco y negro tratan sobre el pasado sobre esa pareja y la evolución hacia la decadencia de la misma. Mi teoría es que emplea el blanco y negro en el pasado porque le da una índole más atemporal, inmortal. Puesto que los recuerdos permanecen inalterados en nuestra mente como si de dioses se tratasen.
También hago mención a la cabina telefónica en mitad del bosque. A lo largo del vídeo vemos diversos tipos de teléfonos: móviles (aunque sean de hace siglos, ¿quién sigue usando hoy en día móviles de tipo concha?), fijo y la propia cabina. Lo de la cabina lo entenderéis más fácilmente si recordáis el inicio del mismo, en el que ella se encuentra en mitad del bosque hablando por teléfono, el cual cierra debido a que no tiene cobertura. Bueno, pues todo es simbolismo puro y duro. Los teléfonos son la representación de la disculpa, y la falta de cobertura son las excusas para pedir perdón. Por lo tanto, la cabina en mitad del bosque nos vendría a decir que siempre puede uno disculparse, en cualquier lugar y en cualquier momento. Como una cabina, el perdón puede usarse siempre, independientemente de la situación.
Finalmente, la casa abandonada es la nostalgia de dicha relación (de ahí la acumulación de polvo de la misma. La casa abandonada es precisamente eso, una relación abandonada). Aunque eso es algo más obvio.
¿Os gusta el vídeo? A mí tanto el significado como los pequeños detalles del mismo (el bisón de Adele, la calidad artística, las hojas deslizándose en el bosque) lo han convertido en uno de mis favoritos de este año. Crucemos los dedos para que prosiga su éxito, pero también para que no canibalice con el mismo la relevancia de su segundo sencillo: "When We Were Young".
No suelo ser fans de las covers, y raramente voy a presentaros una por aquí; pero siempre existen excepciones, y la canción que os voy a presentar a continuación es una de ellas. ¿Por qué? Porque el toque que Sia le ha dado a la canción la ha convertido prácticamente en un tema completamente diferente.
El susodicho tema es "California Dreamin", un sencillo editado en 1965 por el grupo folk "The Mamas & The Papas" y que es considerada la octogésimo novena (#89) mejor canción de la historia (que se dice pronto). Por el título puede que no os suene, pero el estribillo os tiene que resultar familiar a la gran mayoría de vosotros, ya que en los últimos cincos años ha sido usada en anuncios de Citroën y McDonald's bastante emitidos en España.
No obstante la versión que nos interesa es la de Sia, que le ha aportado su toque místico-encantado y su vozarrón y le ha salido bastante resultona. Pero... ¿qué narices? ¡NO! ¡Uno no puede ser humilde al describir esta cover! ¡La ha mejorado y la ha convertido en todo un temazo! Esa majestuosa orquesta la ha transformado radicalmente en un imprescindible a escuchar este año. ¡Ya estáis tardando en dedicarle los escasos 3 minutos que dura!
¿Os ha quedado ya claro que me encanta? De las últimas participaciones de Sia en bandas sonoras ("50 Sombras de Grey", "Annie"), esta es sin duda mi favorita. En serio, me ha gustado tanto que me ha convencido para ir a ver la apocalíptica película "San Andreas" (en el tráiler aparece la susodicha cover y le da un toque épico muy convincente).
Sé que sois muy fans de Sia (me lo decís en todas las entradas que le dedico), así que ahora os pregunto: ¿cuál es vuestra canción favorita Sia? O mejor aún, ¿vuestro top 5?
Esta semana ha sucedido un acontecimiento que marcará la historia de la cultura pop: la publicación del vídeo de"Bad Blood", uno de los dardos más venenosos de Taylor en forma de videoclip. ¿Su víctima? No, no arremete contra ningún ex suyo, sino con la mismísima Katy Perry.
El vídeo es todo un empache de estrellas, en el que hacen acto de presencia Kendrick Lamar, Zendaya, Cara Delevigne, Ellie Goulding, Karlie Kloss, Jessica Alba, Hayley Williams, Cindy Crawford, un sinfín de modelos que nos importan relativamente poco (pero que están), y Selena Gomez que hace las de antagonista traidora (aka Katy Perry). Llevado a cabo por el mismo director de "Blank Space", el clip de "Bad Blood" es todo un despliegue de efectos especiales y mucha acción; aunque si en algo estamos de acuerdo todos los medios es en que su duración se nos hace insuficiente: ¡queremos más, Taylor!
Pero en esta entrada no os voy a decir qué se ve en el vídeo (como hacen el 95% de los blogs/medios que lo anuncian), sino que vamos a profundizar un poco más: ¿por qué el vídeo y la canción van dedicadas a Katy Perry? ¿Qué causó su pelea? ¿Hay alguna pullita suelta de las que Taylor acostumbra a dejar caer en sus vídeos?
Para empezar tenemos que explicar de qué va la canción "Bad Blood". Bad blood es una expresión norteamericana que se traduciría en español como "malos rollos", y sí, está confirmado que va dedicada a Katy Perry, ya que la propia intérprete de "I Knew You Were Trouble" declaró hace unos meses en Rolling Stone lo siguiente:
"Durante años, nunca estuve segura de si éramos amigas o no. Ella se acercaba a mí en las entregas de premios, me decía algo y se iba, y yo pensaba: '¿Somos amigas o me acaba de decir el insulto más duro de mi vida?' y añade: 'Me hizo algo terrible y pensé "oh, somos enemigas". ¡Y ni siquiera era por un tío! Tenía que ver con el trabajo. Básicamente ella trató de sabotearme una gira mundial. Intentó contratar a gran parte de mi equipo sin que yo me enterara. No soy una persona conflictiva, no te creerás lo mucho que odio el conflicto. Por eso ahora la evito. Es raro y no me gusta'."
Vale, puede que esto no resulte suficiente, pero después de estas declaraciones Katy tuiteó "Tened cuidado con la Regina George con piel de cordero...". ¿Tampoco? Bueno, la pista definitiva se encuentra en la canción "Bad Blood", concretamente en el verso "Band-aids don't fix bullet holes / You say sorry just for show / If you live like that, you live with ghosts", toda una referencia a la canción "Ghost" de -quién sino- Katy Perry. En esa línea viene a decir que la "amiga" (Katy) solo pide perdón para no sentirse la mala de la película; no lo siente de verdad. Y Taylor piensa que eso le cobrará factura, ya que al hacerlo esta terminará "viviendo con fantasmas": atormentada y embrujada por sus fallos (como el karma).
¿Y creéis que el drama acaba ahí? ¡Para nada! Katy se la devolvió en su Halftime Show de la Super Bowl, disfrazando a sus bailarinas con unos bañadores muy usados por Taylor (bailarines disfrazados de Taylor, "yo te quité a tus bailarines, y te aguantas...", PULLA ALERT!). Además de que entre medias está el hecho de que ambas compartieron novio durante 2014 -John Mayer- y que el ex de la intérprete de "Teenage Dream" -Diplo- insultó a la compositora de 1989 diciendo que esta necesitaba un nuevo trasero...
Lo que nos lleva hasta hoy, cuando Taylor edita el vídeo de la canción desencadenante de toda esta serie de dramas, y que cuenta con un total de tres dardos hacia la cantante de "Roar":
1. La traición de Selena a Taylor: un reflejo de lo que Katy le hizo a ella.
2. El concepto del vídeo: Catastrophe (Swift) es traicionada por Arsyn (Selena aka Perry), pero es rescatada por Welvin (Kendrick Lamar aka sus fans), quien la entrena hasta que se convierte en la mejor versión de sí misma (es remarcable cómo Taylor ha evolucionado este último año, convirtiéndose en la estrella más famosa de TODO el mundo, superando récords de ventas de álbumes que ya le gustarían a Katy Perry).
3. Esto:
Finalmente, cabe destacar un par de aspectos del vídeo: primero, la cantidad de influencias que recibe el vídeo (siendo "Toxic" de Britney Spears su principal fuente), ofreciendo guiños a Sin City, Los Juegos Del Hambre, Divergente y Kill Bill; y después, que tiene muchísimo mérito la afluencia de visitas que está recibiendo el vídeo... ¡sin estar ella desnuda (algo de lo que "Anaconda" y "Wrecking Ball" no pueden participar)!
¿Vosotros qué opináis de todo esto? ¿Estáis de parte de Taylor, o creéis que se hace demasiado la víctima? ¿Conseguirá su cuarto #1 con todo el drama que está montando? Pues no va muy desencaminada, ya que la estrategia de reeditar el single con un rapero le está saliendo de fábula: su remix con Kendrick Lamar lleva anclado en el #1 de USA desde la publicanción del vídeo (estrategia que casualmente también realizó Katy Perry al remezclar "E.T." con Kanye West, allá por el 2011...).
La cara que se le queda a Taylor Swift al descubrir que 1989 ha vendido
más copias en USA que el PRISM de Katy Perry en todo el mundo.
Primero por volver al sonido urbano de "Talk Dirty" y "Wiggle" (del que en mi opinión nunca debería salir) en su nuevo tema "Get Ugly". Sonidos tribales y unos bajos en repeat lo vuelven completamente irresistible. Es todo un imprescindible de su discografía y tiene todas las papeletas para ser el próximo sencillo de esta era.
Pero la verdadera sorpresa ha sido "Cheyenne", un corte ochentero que guarda las suficientes similitudes con el "Style" de Taylor Swift como para ser considerado un plagio (aunque la letra poco tenga que ver: trata de enamorarse de una persona con la que un principio solo querías liarte y poco más). Sin embargo, el resultado es increíblemente bueno, ya que este sonido sintetizado le sienta de fábula a su voz.
Atónito me ha dejado Jason con estos dos temas, ya que con ellos ha conseguido que recupere la fe que había perdido en él tras el fiasco de "Want To Want Me" (como canción, porque comercialmente lo está petando con ella).
¿A vosotros qué tema os gusta más? ¿La sucia "Get Ugly" o la ochentera "Cheyenne"? ¿O sois más partidarios de la genérica "Want To Want Me"?
Florence + the Machine están que se salen últimamente. Si ya me encandilaron hace 2 meses con la potente "What Kind Of Man", ahora lo han vuelto a hacer con la enérgica "Ship To Wreck".
Con un sonido bastante más pop de lo que nos tienen acostumbrados (ese xilófono hace maravillas a la canción), la banda británica presentan una interesante yuxtaposición entre ritmos alegres y letra oscura, porque escuchando el tema a priori no te esperas que la canción sea tan extremadamente profunda y compleja.
En ella justifica a su lado autodestructivo, al cual culpa de romper sus relaciones"¿Bebí demasiado ¿Estoy perdiendo el tacto? ¿Construí un barco para destruirlo?" Con estas frases Florence expresa su incertidumbre al no saber porqué esta faceta suya que disfruta destrozando cosas destruye los barcos que representan sus relaciones. ¿La causa de ello? Probablemente porque tiene miedo a ser feliz y solo sabe convivir con ella misma estando triste. Quién sabe.
Pero lo que es incuestionable es la habilidad vocal que derrocha en esta canción. ¡Impresionante! El pasado sábado la presentó en directo en el programa Saturday Night Live y se ha ganado unos cuantos fans desde entonces, ya que la crítica la está poniendo por las nubes. ¡Y con razón! Echadle un vistazo a la actuación y me decís qué os parece.
Ojalá que Florence Welch y compañía consigan el reconocimiento que se merecen gracias a este tema, ya que tiene el suficiente gancho como para convertirse en un single de platino. Solo esperemos que la suerte esté de su lado para cuando se publique How Big How Blue How Beautiful el 1 de junio.
¿Alguna vez os habéis levantando sin encontrarle sentido absoluto a vuestra vida, en plan depresivo total? ¿Con un bajón tan grande que no tenéis ni fuerzas para salir de la cama? Seguramente sí, es algo que nos pasa a todos, con mas o menos frecuencia según las circunstancias de cada uno.
El caso es que cuando yo me siento así solo hago una cosa: conectar los auriculares y chutarme una buena dosis de música. Y estas últimas semanas no he hecho otra cosa que ponerme música tristona que se correspondiese con mi estado de ánimo, pero esta mala racha se acabó con "Fight Song": todo un himno a la motivación y al optimismo.
Me siento (y seguro que muchos de vosotros también) muy identificado con cada letra de la canción, ya que en la misma la perspectiva está del lado de la persona que escucha una canción para mejorar su ánimo. Muy "Brave" de Sara Bareilles todo.
Y no soy el único que piensa que "Fight Song" se merece el reconocimiento de su mensaje, ya que la canción ha subido como la espuma en los charts estadounidensesdespués del debut televisivo de la canción en los Radio Disney Music Awards y de que la propia Rachel comenzase una campaña en Twitter con el hashtag #MyFightSong, en la que apoyaba a sus seguidores a compartir sus historias de cómo su canción les había ayudado.
¿Apoyaréis la campaña de Rachel Platten con el hashtag #MyFightSong? ¿Os sentís también identificados con la letra de "Fight Song"? ¿No os recuerda un poco su voz a la de Sia?
En la industria del pop hay dos tipos de estrategias: la de Rihanna y la de Taylor Swift, las que lanzan singles y álbumes sin ton ni son -menospreciando así sus discos-, y las que lanzan un disco cada 2 años y alargan lo máximo posible su promoción, extrayendo del mismo una media de 5-6 sencillos. Han pasado ya un par de años desde que Taylor Swift sorprendiera al mundo con un disco country que se hizo de platino en su primera semana de vida, y con sus respectivos singles pop. Ese disco fue el punto de inflexión de su carrera: veíamos la primera transición al pop comercial de una artista que se había dedicado al country durante 6 años.
Sin embargo, Red no estuvo abscento de polémica: Taylor se tiró a la piscina del pop, llevándose todos los premios de la categoría country. Pero no ha sido hasta este año cuando ha sido honesta y se ha desetiquetado de dicha categoría, ya que recibir tantos premios de una categoría a la que ya no perteneces no era justo para ella ni para el resto de nominados.
Ahora, la compositora de "You Belong With Me" empieza una nueva etapa en su vida: pelo más corto, nuevo género musical, mudanza de Nashville a Nueva York y una plena soltería. Pero el hecho de que ahora esté sin pareja no implica que deje de escribir sobre sus antiguas relaciones. Es más, 1989 se centra en una en concreto, y a lo largo del tracklist del álbum va desarrollando cronológicamente cómo evolucionó ese romance:
Una chica viaja a Nueva York y se enamora de la ciudad ("Welcome To New York"), allí conoce a un chico ("Blank Space") y se queda enganchada de él ("Style"), pero pasan por un bache que no son capaces de superar y rompen ("Out of the Woods").
Tras esto, ella intenta recoger los pedazos de su roto corazón. Sin embargo, poco tiempo después él quiere volver de nuevo con ella (aunque fuese él el que la dejase); intentando arreglar una relación que nunca estuvo rota, pero la muchacha no quiere porque ya es demasiado tarde para arrepentirse ("All You Had To Do Was Stay"). Así que la chica -para intentar pasar página- se centra pasárselo bien y pasar de todo ("Shake It Off").
A pesar de todo, ella no puede contener todos los sentimientos de su interior y empieza a reflexionar y rallarse por la relación ("I Wish You Would"), hasta el punto de arrepentirse y desear que el chico pida perdón y vuelva a por ella ("Wildest Dreams" y "How You Get The Girl"). Entre medias hay una pelea con Katy Perry, pero esto no es relevante en esta historia ("Bad Blood").
No puede resistirlo más y vuelve con él ("This Love"), y para evitar una posible nueva ruptura debido a la presión de la presa, deciden esconderlo ("I Know Places"). Pero de poco sirve, ya que vuelven a cortar y, tras mucha lágrima, finalmente ella logra superar su "adicción" a él ("Clean").
Y sí, aunque ella no lo confirme, el álbum va dirigido -en su gran totalidad- a su relación con Harry Styles: la historia de cómo lo conoció, se enamoró, lo dejó y lo consiguió superar. Aunque parece que todavía puede que haya esperanza para la relación, ya que se dice que Harry está intentando reconquistar a la 7 veces ganadora del GRAMMY (me da a mí que alguien ha escuchado "How You Get The Girl" y se está aplicando el cuento), pero esto son solo rumores.
Volviendo al álbum, no solo la historia que narra es bastante interesante, sino que su producción es exquisita. Puede pecar un poco de monopolizar su producción con Max Martin (creador del 70% del pop exitoso) y Ryan Tedder (OndRepublic), sin embargo consiguen que no hayan dos canciones que suenen iguales. Taylor habla mucho de su influencia en la música de los '80s en este disco, algo que se verifica en temas como "I Wish You Would", la muy eficaz "Style" y la épica "Out of the Woods", pero también tenemos números tan noventeros como "How You Get The Girl" y "All You Had To Do Was Stay". Incluso cuenta con temas que suenan más actuales, que incluyen percusión ("Blank Space", "Bad Blood"), electrónica (la eufórica "Welcome To New York" y la oscura "I Know Places", ambas de Ryan Tedder); y una sección de viento que tan de moda ha estado este año ("Shake It Off").
Y podrás decir: "Yo soy un nostálgico. Prefiero a la antigua Taylor Swift." Pues tranquilo que queda reminiscencia de ella en temas tan íntimos como la minimalista "Clean" y la producida por ella misma "This Love". Si me preguntáis a mí, este álbum va a tener unos clarísimos 6 singles: "Shake It Off", "Blank Space", "Style", "Bad Blood", "Out of the Woods" y "I Know Places", e incluso incluiría "Wildest Dreams", por ese sonido tan Lana Del Rey. Os lo digo porque son mis favoritas del disco, pero os aseguro que "Style" va a ser sencillo y que será de lo más vendido del año que viene. Por mi blog pongo de testigo de que nos encontramos ante un #1 de la ex-country.
No cabe duda que este álbum va a ser uno de los más vendidos a final de año, y no solo se debe a su enorme fanbase, sino a la calidad y al mimo que Taylor dedica a cada uno de sus álbumes. Todos son de una calidad incuestionable, tanto líricamente como a nivel de producción, pero este se lleva la palma. Con él, la compositora de "Fearless" ha conseguido posicionarse en el pop, ¡y de qué manera!
Así que sólo nos queda decir una cosa. Taylor, Welcome to the Pop!
Si hay alguien que no se anda con chiquitas esa es Taylor Swift, la cual ha pasado de ser la artista de la semana del 27 de Octubre a ser la artista del mes. Y es que gracias a ella, ha habido más movimiento en el pop estas últimas semanas que en todo lo que llevamos de año. Entre que su álbum ha batido récords siendo el primero lanzado en 2014 que ha sido certificado platino, que es la única artista que tiene 3 álbumes consecutivos que han debutado con más de 1 millón de copias y que su single "Shake It Off" ha destronado a "Wrecking Ball" en ser la canción que más tarda en recuperar el #1, la ex de Harry Styles ha copado titulares por todo el mundo (también cabe destacar el enorme revuelo que ha causado su pelea con Spotify). ¡Todo esto en menos de 3 semanas!
Y en su lucha para conseguir que este Noviembre sea recordado como "el mes en que 1989 lo petó", la ganadora del GRAMMY del álbum del año por Fearless ha estrenado el vídeo del single sucesor de "Shake It Off": "Blank Space". Muy pop con toques hip-hop electrónicos, pero en el que todo el peso cae en las letras. Como siempre.
Si ya en el primer vídeo de 1989 se reía de su forma de bailar y de las críticas con respecto a ello, en este se toma con humor la imagen que muchos tienen de ella: de novia loca, devora hombres, que ha tenido demasiadas relaciones sentimentales porque su inestabilidad emocional y mental no le permite que duren demasiado. Y es que el clip no puede ser más acorde a la canción. La letra de la misma -bastante irónica- trata sobre cómo los medios y sus ex-novios la tratan de loca y de cómo la etiquetan de que lo único a lo que se dedica es a salir con gente para escribir sobre ellos cuando rompen, para forrarse con dichas composiciones. Conoce, salen, rompen y rellena el espacio en blanco una y otra vez.
El vídeo es desternillante y el uno de los mejores de su videografía con diferencia. Y no creo que sean alucinaciones mías, pero creo que ha incluido pequeños guiños a antiguas canciones suyas por aquello de que todas siguen la estructura del espacio en blanco, como incluir caballos blancos para referenciar a "White Horse" (muy sutil no es, la verdad), quemando las camisas de su pareja como en "Picture To Burn", las bicis de "Begin Again" y el pelo desmelenado y el rímel corrido de "I Knew You Were Trouble"; todas composiciones sobre el desamor.
La canción lleva en los primeros puestos de iTunes desde su publicación y esto huele a segundo #1 de esta era (a no ser que Rihanna o cualquier popstar estrene single en los próximos días). ¿Creéis que puede igualar el récord de Katy Perry de más números uno en un solo álbum? Tened en cuenta que hablamos de Taylor Swift, y que con ella los récords nunca están a salvo.
PD: Algunos habéis estado preguntando quién es el guapísimo modelo. Se llama Sean O'Pry, fue descubierto a los 17 en MySpace y ha realizado campañas para Calvin Klein, Versace y hasta un vídeo para Madonna (Girl Gone Wild, de ahí me sonaba a mí).
Después de vender más de 4 millones de copias por todo el mundo y estirar lo máximo su álbum debut con cinco singles que han tenido un notable éxito en diversos países, Imagine Dragons pasan página y estrenan el primer single de su futuro segundo disco de estudio (que se publicará en el primer trimestre de 2015).
Al ver la portada del sencillo que encabeza este post, la gente se esperaba un tema oscuro, casi Illuminatti, que encajase con el dibujo del misma. Atónitos nos hemos quedado más de uno al ver el contraste que hay entre la imagen y el sonido real de "I Bet My Life": una canción de ritmo optimista y toques folk con unas añadidas divas del soul en el estribillo. Con ello se alejan un poco del sonido tipo "Bleeding Out" que la gente esperaba y se mueven en uno más cercano a la eufórica "On Top of the World".
El tema trata sobre la difícil relación de Dan Reynolds -vocalista de la banda- con sus padres, los cuales aconsejaron a su hijo cómo vivir su vida y él se lo pasó por el forro, haciéndoles pasar un calvario (la vida del artista puede ser muy dura, tanto para el mismo como para sus progenitores). Pero finalmente admite sus errores, vuelve a casa y busca su perdón, hasta tal punto que "apostaría su vida por ellos" para conseguirlo.
Al leer y, por tanto, comprender la letra, me he dado cuenta del significado de la bizarra imagen que acompaña a la canción. Se aprecian cuatro manos sosteniendo un ave: las manos representan a los padres protegiendo a su hijo, el pájaro que quiere volar libre de su jaula (ese círculo oscuro que lo rodea); por lo que con ello nos confirma lo que ya os he dicho: que toda la canción está dirigida a la relación con sus padres.
¿Qué esperáis del nuevo disco de Imagine Dragons? Yo creo que será oscuro en su mayoría y que este primer single suena tan alegre sólo para prepararle el terreno a su correspondiente disco.
