Fifth Harmony ha vuelto. Después de estirar "Worth It" hasta el punto en el que el tema no daba más de sí, el quinteto ha estrenado la carta de presentación de su nuevo álbum 7/27, el cual sale el 20 de mayo. Sí, yo también pensé que saldría el 27 de julio. Sin embargo, el título del álbum sí que guarda referencia directa con esa fecha: fue el día en el que se formaron como grupo (allá por 2012).
Dinah Jane calentando al personal
La canción se llama "Work From Home" y tiene todos los elementos que tuvo "Worth It" para darlas a conocer internacionalmente: una base minimalista (aunque sin sección de vientos esta vez), un tono algo picante, al rapero de turno para darle el empujón urbano y una letra que roza lo obsceno: "no tienes que ir al trabajo, podemos trabajar en casa"... ¡Se-xo!
El vídeo sigue la misma senda que iniciaron en su tema con Kid Ink: sexualización y tocamiento con hombres. Lo único que diferencia este vídeo del anterior es que en vez de ser porno en el trabajo, es Porno en las Obras: las fantasías de un albañil. Ojo, que no lo critico. Al menos esta vez, ya que el momento: "mira que regla más larga tengo, ¿qué podría usar yo para medir con mi larga regla?" con mirada lasciva es todo un puntazo. Desternillante. Jocoso... Y para algunos inaudito.
Lo que sí que aprecio del todo es la coreo. Me encanta cuando los artistas se curran sus vídeos y no dejan que el sexo y algún producto anunciado sean lo único que vendan en los mismos. Además de que salen guapísimas, ¡sobre todo Normani!
¿Os gusta el nuevo single de 5H? ¿O pensáis que es más de lo mismo?
Kelly Clarkson ha logrado estos días algo que ni ella misma se esperaba: revivir las ventas de su prácticamente enterrado último álbum Piece by Piece.
Todo viene provocado por su lacrimógena actuación en American Idol. Y no solo por la letra (de la cual ya os hablé hace aproximadamente un año), que es conmovedora como ella sola; sino que el hecho de ser su última actuación en el programa que le dio a conocer internacionalmente y lo revolucionadas que tiene sus hormonas en su ya octavo mes de embarazo han contribuido enormemente a crear el ambiente perfecto para convertir esta actuación en uno de los puntos más emotivos en la historia del programa.
La intérprete de "Because Of You" ha repetido algo que ya había conseguido en el pasado: conseguir que un single que no fuese la carta de presentación de un álbum sea más exitoso que el mismo ("Stronger" tuvo mayor repercusión e impacto que "Mr. Know It All" de su pasada era). El tema ha conseguido debutar en el top 10 de las listas americanas, además de que gracias a él ha conseguido ser la primera artista salida de American Idol en conseguir 100 #1s (en listas pequeñas, pero #1s al fin y al cabo). ¡Brava, Kelly!
¿Os gusta más esta versión acústica o preferís la original?
Beyoncé ha vuelto. Y no exenta de polémica, precisamente.
La sorpresa nos la dio a todos el día de antes del evento televisivo más importante del año: la Super Bowl. Como si esto fuese diciembre de 2013, Beyoncé ha soltado una bomba. Una doble bomba. Un temazo y un vídeo, tratando un tema bastante polémico en un momento bastante delicado en Estados Unidos.
"Formation" vendría a ser la maduración del maravilloso "Run The World (Girls)" que nos regaló hace ya 5 años, salvo con la diferencia de que esta vez Queen B se ha mojado aún más. Feminismo, racismo, homofobia... Beyoncé trata diversos temas que manifiestan problemas que hoy en día aún siguen sucediendo en nuestra sociedad. Y todo envuelto en una base del género "bounce", un sonido hip-hop nacido en la Nueva Orleans que la propia artista tributa en el vídeo (que además es un sonido muy asociado a la comunidad LGTB). Denominar a la canción como himno sería quedarnos cortos.
Este "himno" se fundamenta en los 3 pilares que defiende:
"Stop shooting us" escrito en una pared, referenciando a los disparos a afroamericanos en EE.UU.
FEMINISMO: es el más obvio de todos. "Ok, ladies. Now let's get in formation." La unión de las mujeres en la lucha por la igualdad de derechos.
HOMOSEXUALIDAD: es el pilar que la gente menos entiende en este tema. A lo largo de la canción, Bey repite constantemente la palabra "slay". "Slay" es una palabra típica de la jerga LGTB (especialmente afroamericana). Pero la cosa no se queda ahí. ¿Sabéis de quién es la voz que introduce el tema? Pues del fallecido cantante Messy Mya, un cantante casualmente de Nueva Orleans, afroamericano y gay, que falleció por un disparo en 2010. ¿Racismo? ¿Homofobia? Beyoncé abarca indirectamente dichos temas, aunque de manera eficaz.
IGUALDAD RACIAL: es el tema que "Formation" trata principalmente. Este pilar se basa fundamentalmente en el movimiento Black Lives Matter, movimiento que ha ganado especial relevancia desde los asesinatos a afroamericanos por parte de policías estadounidenses. Además, de que los estilismos de Beyoncé en el vídeo abrazan por completo sus raíces negras, y habla de lo orgullosa que está de sus rasgos negros y de la crisis de la comunidad negra en Nueva Orleans tras el arrase del huracán Katrina.
Ahora, la promoción no la entiendo en absoluto. ¿Dónde podemos escuchar este HIMNO? Porque la única vía legal es el vídeo de YouTube (el cual solo puede verse si alguien dispone del link: no puede buscarse libremente en la red). Ni Spotify, ni Apple Music... ¡Ni siquiera iTunes! Y todos sabemos lo horroroso que es TIDAL, en dónde sí puede descargase.
¿Por qué hace esto? Mi teoría es que el motivo de ello es que la gente se desespere en buscar día a día el tema en los diferentes servicios de streaming, aumentado su impaciencia y sus ganas de nueva música de Beyoncé (ejemplo más reciente de ello es el éxito de Rihanna con "Work" mediante esta misma técnica). El problema es que la intérprete de "Halo" ya hizo esto hace 2 años y le salió el tiro por la culata: estreno exclusivamente el remix de "***Flawless" con Nicki Minaj en Soundcloud, apenas lo promocionó y cuando empezó a hacerlo, pasó demasiado tiempo y la gente perdió interés en el tema.
Así que el tiempo corre, y Beyoncé perdió una oportunidad de oro de estrenar el tema tras su perfomance en la Super Bowl, el programa más visto del año. Estaremos pendientes de lo que haga Bey en los próximos meses, ya que su Formation Tour comienza en abril y debería tener material con el que salir de gira. Y con esta carta de presentación tan política, parece que dicho material promete.
Hablemos de Rihanna, que ha dado bastante que hablar en las últimas semanas.
Sigo bastante molesto por el hecho de que Rihanna no haya incluido ninguno de los 3 primeros singles de esta era fuera de ANTi. Puedo asumir que se dejase BBHMM y American Oxygen por su relativo mal funcionamiento en las listas, ¿¡pero FourFiveSeconds!? Aunque sea de bonus track, hija.
Sin embargo es comprensible el porqué lo ha hecho: anunciar "Work" como el primer single es un borrón y cuenta nueva en toda regla. Se quita de un plumazo el flop de sus anteriores sencillos y empieza de cero. Y le ha salido redonda la jugada: la gente se lo ha tomado en serio y le han dado su catorceavo #1 a la de Barbados.
Pero la pregunta es: ¿se lo merece "Work"? ¿O ha escalado por la ansiedad de sus fans de nueva música de RiRi tras los sucesivos rumores de lanzamiento que han acompañado a esta era cada viernes desde noviembre?
La verdad es que el single mola, para que engañarnos. Sí, la letra es repetitiva e inteligible como ella sola; pero pegadiza es un rato. Y para experimentar ya está el resto del disco (del que os hablaré en un momento). El sonido dancehall le viene que ni pintado (género que ya trató con su sexto #1 "Rude Boy", con el que considero que comparte con "Work" más similitudes que el sonido), y con ello nos muestra de nuevo la versatilidad de sonido en la cual se puede mover Rihanna: es completamente todo-terreno. Así que, sí, se lo merece.
Con respecto al vídeo, el tema es extremadamente bailable, así que no le pidas peras al olmo: no esperes que este tenga un enorme trasfondo o un mensaje a trasmitir que no sea el perreo y el frotifroti.
[AVISO SPOILER] La verdad es que al ver que el vídeo duraba 8 minutos, me esperaba de nuevo un corto tipo BBHMM, pero grata ha sido mi sorpresa al ver que había otro a continuación. Muchos han etiquetado dicha unión como algo "cutre", pero a mi me parece bastante efectivo. Te permite elegir -por así decirlo- entre visuales, dándole una doble identidad al tema. Personalmente, prefiero el primero. Refleja mejor el guarrerío de la canción con esos tonos extremadamente cálidos y el ambiente ilegal y sucio de la fiesta. Considero que el segundo es "demasiado limpio" y estético (aunque se le vean los pezones a RiRi). Además, el conjunto de la primera parte me parece bastante icónico, la verdad.
INSIDE BY THE ALBUM: ANTi / RIHANNA
Siguiendo el método que ha seguido Rihanna con su vídeo, ahora os meto con calzador la review de su nuevo disco en esta entrada.
Esta era ha sido un desastre promocionalmente hablando, eso que no os quepa duda. Y la verdad es que el contenido del disco no se lo merece. Es bastante diferente a lo que RiRi nos tiene acostumbrados, y eso precisamente es lo que mola del disco: su "ANTi-cidad".
Personalmente me gusta la oscuridad que transmiten ciertos temas, ya que pienso que se adecuan mejor a la siniestra portada del mismo. Me refiero a temazos como "Desperado" o "Same Ol' Mistakes". La primera considero que es lo mejor de todo el álbum, con esos cambios de ritmo y esa sensación lúgubre que transmite. "Mistakes" es una cover de Tame Impala, más mística que oscura, pero la escucha se me hace increíble, y la letra es una reflexión sobre el amor maravillosa: "te sientes como una persona nueva, pero sigues cometiendo los mismos errores."
Algo que realmente me ha sorprendido (y para bien) es la capacidad vocal que la intérprete de "Man Down" despliega en temas como "Love on the Brain" y "Higher". Doo-wop pop y una balada tipo Etta James, respectivamente. Sin duda con ambas canciones, la mujer ha acallado todas esas voces que decían que ella no sabe cantar.
A los que echabais de menos a la RiRi más clásica, estáis de suerte: la faceta comercial no la ha abandonado del todo. "Consideration", "Work" y "Kiss It Better" tienen todas las papeletas para ser los sencillos de esta era.
El broche perfecto final lo pone "Close To You", una preciosa e intima balada de las que te dejan erizan la piel y transmiten cierta aflicción y nostalgia. El resto de temas que no he mencionado no me han llamado la atención especialmente la verdad.
En resumidas cuentas, esta era me recuerda en cierto modo a Rated R (aunque no consigue sobrepasar la genialidad de ese disco), ya que sigue su misma estructura: abandono del pop comercial facilón, apoyando el funcionamiento del disco en un single dancehall que poco representa al conjunto del disco ("Rudeboy" / "Work"). Sin embargo, "ANTi" se distancia de esa obra maestra en que RiRi se ha arriesgado más experimentado con nuevos sonidos. Y eso es digno de reconocimiento, por mucho actitud antagonista que promueva.
"Si mezclas al mayor éxito comercial del 2015 con uno de los temas mejor aclamados por la crítica del mismo año, sólo puede salir algo bueno, ¿no?"
Pues eso mismo ha tenido que pensar el dúo londinense AlunaGeorge a la hora de producir "I'm In Control", su último single y una de las mayores delicias auditivas de lo que llevamos de año. Este dúo de música eléctrica puede que no os suene por su propio nombres, pero lo más probable es que durante algún momento del pasado año bailaseis éxito "You Know You Like It" junto al DJ Snake.
La canción de la que os voy a hablar hoy es un giro de tuerca este sonido tan parecido al "Sorry" de Justin Bieber. Como he dicho antes, han unido dos éxitos del 2015 y han hecho un pelotazo colosal. AlunaGeorge han empleado los sonidos tribales y electrónicos del monstruoso hit "Lean On", y el toque dancehall del aclamadísimo "I Know There's Gonna Be (Good Times)" de Jamie xx. Bueno... eso e incluso al colaborador de esta última: Popcaan.
Puede que lo primero que se os venga a la cabeza al leer esto sea "plagio" y "falta de originalidad". Nada más lejos de la realidad. Os aseguro que es genial. Es cierto que hay cierta reminiscencia con los temas ya mencionados, pero termina gustando por sí mismo. Escuchadlo y me decís:
¿Os ha gustado? ¿Creéis que está al nivel de sus claras referencias, o solo es un intento de hacer dinero fácil?
Tras abandonar One Direction hace poco menos de un año, Zayn Malik estuvo todo el 2015 bombardeándonos constantemente con la nueva dirección que él quería tomar tras romper con el ahora cuarteto británico: el sexo. Y poco después de que dicho grupo estrenase el que es su último vídeo antes de su hiatus ("History", del cual no os voy a hablar porque simplemente no me gusta), Zayn ha respondido editando su sencillo debut, "PILLOWTALK" (traducido al español como "charla post-coito"). Una nueva era comienza cuando justo otra acaba.
La verdad es que no me esperaba que el tema me sorprendiese tanto, ya que tenía una idea preconcebida del sonido del mismo bastante diferente. Sí, sabía que los derroteros iban a ir por el R&B -sobretodo al ser un tema tan sexual-, pero no me imaginaba que lo iba a hacer con tanta potencia vocal. Pensaba que se iba a marcar un "Hands To Myself": estrenar un tema con mucha delicadeza, un toque íntimo, ronroneo y falsete. Algo así como la intro de "Boyfriend" de Justin Bieber.
La producción se basa en el sonido de lo mejor de The Weeknd, pero con una puntual guitarra eléctrica que le da cierta personalidad al tema. Y la letra trata con bastante sutileza el tema sexual: salvo la palabra "fucking" en sí, no hay nada demasiado explícito. Sí tuviera que elegir una línea de la letra, me quedaría con "Pillow talk / My enemy, my ally / Prisoners / Then we're free, it's a thin line." Prisioneros en busca del placer que solo son liberados cuando alcanzan el clímax que ansían. Muy interesante; como la antítesis entre "Paradise" y "Warzone": en la cama alcanzas el placer, pero también luchas por conseguirlo.
El vídeo va por el mismo camino: aún tratándose de un tema muy picante, aborda con bastante elegancia la sexualidad, rompiendo los tabúes de que para hablar de ello hay que enseñar cacha y rodearse de tías en bolas. Y la verdad es que está presentado en un envoltorio increíblemente atractivo: co-protagonizado por la preciosa modelo y BFF de Taylor Swift Gigi Hadid, y con un despliegue total de efectos que resultan bastante artísticos.
La verdad es que Zayn (ahora ZAYN) ha elevado bastante el listón y las expectativas con respecto a su debut Mind Of Mine, del que se rumorea que saldrá el 25 de marzo, haciendo un año justo de su separación de One Direction. Y si continúa avanzando en esta dirección musical, la verdad es que podemos agradecer que distanciase su camino del que el grupo salido de X Factor ha tomado los últimos años.
Pero lo importante es, ¿os ha gustado a vosotros? ¿Creéis que la carrera en solitario en ZAYN tiene futuro, o que otro miembro de 1D está destinado a cosechar más éxito?
"Mi, me, conmigo." La verdad es que llevaba tiempo queriendo hacer esta entrada. O al menos tratar este tema. Os voy a presentar una canción que me gusta, como siempre, pero quiero hacer una pequeña reflexión sobre el tema de la misma.
Esta vez se trata de "Me, Myself & I", un tema de G-Eazy con la colaboración de Bebe Rexha (más conocida como la que hace los coros a Nicki Minaj en "Hey Mama") que lo está petando bastante en Estados Unidos.
Y no es de extrañar, ya que llega un punto en nuestras vidas en el que nos sentimos muy identificados con el tema de la letra... En cierto modo.
La canción habla sobre el poder convivir con uno mismo sin necesidad de nadie más en la escalada hacia la fama, pero creo que la fórmula de su éxito se encuentra en que la gente ha interpretado este mensaje de convivencia individual con la capacidad de vivir sin necesidad de depender de nadie: sin necesidad de tener una pareja. Precisamente esto es lo interesante de la música: que un artista puede componer un tema, pero que dicha composición esté libre a diversas interpretaciones por parte del público.
Volviendo al tema de ser capaces de no depender de nadie, me gustaría realizar una pequeña reflexión al respecto. Vivimos en una sociedad en la que predomina el amor. Y eso no es malo, en absoluto. El problema es cuando esta se enfoca en un tipo determinado de amor: el afecto de una pareja.
Sin irme más lejos, y aprovechando que esto es un blog de música, la gran mayoría de los temas pop tratan sobre una relación. Amor, desamor, lucha por conseguirlo... Es un asunto que monopoliza completamente nuestra música y nuestras vidas. Y mi duda es, ¿por qué?
Vivimos obsesionados con encontrar nuestra "media naranja", y yo soy el primero que lo admite. Personalmente me centré exclusivamente durante todo el 2015 en encontrar esa persona que me completase, y he vivido las consecuencias que tal obsesión puede llegar a provocar. Y no son agradables.
¿Por qué necesitamos que otra persona "nos complete"? ¿No nos podemos completar por nosotros mismos? Se nos ha inculcado mediante la cultura popular (cuentos, películas, la ya mencionada música...) que esto es así, y la verdad es que estoy un poco harto.
Puede sonar a típico discurso de persona con el corazón roto y amargada, pero el caso es que no entiendo tal dependencia a otra persona; persona a la que le entregas tu corazón y que un día puede arrojarlo como si de un pañuelo usado se tratase. Es como un juego en el que dos personas estiran una goma elástica al máximo: el primero que la suelte hace que la otra se lleve un fuerte latigazo, y cuanto más estires, más doloroso será el golpe.
No pretendo llegar a ninguna conclusión con esto. Tan solo me pregunto por qué somos tan excesivamente masoquistas de querer estar en una situación en la que puede haber más dolor y sufrimiento que tiempo de felicidad. ¿Tan valioso ese ese período de afecto que estamos dispuestos a soportar enormes cantidades de tiempo angustiados?
Puede que con el tiempo encuentre a una persona que me haga cambiar de opinión. Pero hasta entonces:
Oh, it's just me, myself and I / Solo ride until I die / Cause I, got me for life.
Oh I don't need a hand to hold / Even when the night is cold / I got that fire in my soul
I don't need anything to get me through the night / Except the beat that's in my heart
And it's keeping me alive / I don't need anything to make me satisfied / Cause the music fills me good and it gets me every time
Sigo muy disgustado con Iggy y a día de hoy no entiendo por qué se retocó la cara si era preciosa. Ahora parece una muñeca de plástico a la que le han picado 50 avispas... Pero la noticia que la rapera australiana ha dado me ha recordado lo mucho que me gustó su música en 2014: su nuevo álbum Digital Distorsion saldrá a principios de este año y el primer sencillo en algún momento entre febrero y marzo.
Sin embargo, para hacernos más amena la espera, ha compartido un primer corte de este esperadísimo segundo disco. Se titula "AZILLION" y la verdad es que es todo un temazo. Rap de versos feministas y empoderadores, una base hip-hop con tintes electrónicos bastante chula y energética, y un puente y estribillo con lo justito de pop. ¿Y qué decir de la outro? ¡Es genial! Y todo ello sin colaboración de nadie. Ella se lo guisa, ella se lo come.
La verdad es que si la dirección del álbum va a seguir este estilo, la cosa va a pintar muy, pero que muy bien. Y lo cierto es que es precisamente lo que la intérprete de "Fancy" necesita después de lo criticada que ha sido todo el 2015 y de lo mal que le ha sentado a su carrera el flop de "Pretty Girls".
"AZILLION" sirve como buzz single, por lo que no estará disponible oficialmente en ninguna plataforma hasta el lanzamiento del disco. Pero aún sin ser single oficial, Iggy ha anunciado que este tema va tener vídeo propio. ¿Ganas de Iggy? Sí, y muchas.
¿Os gusta lo nuevo de Iggy Azalea? ¿O la preferís verseando mientra una artista pop (siempre femenina) la acompaña cantando los estribillos?
Renacimiento (Revival): "acción de volver a la vida, después de haber muerto."
Con esa palabra tan poderosa nos presenta Selena Gomez su segundo álbum de estudio en solitario, con una portada que es toda una declaración de intenciones y que desprende madurez por los cuatro costados. Cabe resaltar que es su primer álbum post-Disney, por lo que el hype ha estado bastante alto desde el estreno de aquel maravilloso "Good For You"y su mejor aún "Same Old Love". ¿Ha sabido este disco sobrellevar esas monstruosas ganas de renacimiento musical de Gomez? Veámoslo.
El disco se divide en dos mitades, la primera presentada por "Revival" y la segunda por "Survivors". Me parece bastante interesante dicha división, puesto que ambas palabras tienen definiciones totalmente antónimas. Mientras que "Revival" implica muerte, para dar lugar a una nueva vida; "Survivor" es la supervivencia la misma, manteniéndose vivo.
La primera parte nos muestra a la nueva Selena, la que ha renacido, y no pueden presentárnosla mejor que con la maravillosa intro del disco. "Revival" tiene fuertes percusiones y un sonido bastante exótico para el pop electrónico al que nos ha tenido acostumbrado la intérprete de "Love You Like Love Song". Sin embargo, esa faceta electrónica no la abandona totalmente, puesto que la recupera en temas como la muy "Ghost Town""Kill Em With Kindness" y la tropical/ochentera "Me & The Rhythm". Pegadizas y muy bailables: lo que te podrías esperar en un principio de una canción de Gomez.
Una de las notables influencias de este disco es el R&B, que se deja ver en temas como el conocido "Good For You" y la todavía más sensual "Hands To Myself", el más reciente sencillo del largo y una perfecta representación de que la nueva Selena no ha hecho más que despertar. Muy íntima y la combinación justa de elegancia y erotismo. El videoclip es perfecta muestra de ello:
Y no solo es sensual la nueva Selena, sino que además tiene carácter; carácter para decir basta cuando piensa que es oportuno. A su relación con Justin Bieber me remito. Ejemplo perfecto de ello es "Same Old Love", en la que se despide de una larga relación tóxicamediante una elegante producción apoyada en los coros de Charli XCX.
Esta línea prosigue en temas como "Sober" y "Camouflage", en las que continúa de cierta forma con dicha despedida. No obstante, aunque el mensaje es bonito, ambas se quedan a medio gas y no llegan al nivel en el que se encuentra el resto del disco. "Sober" es algo sosaina y "Camouflage" -siendo la balada principal- no logra transmitir nada.
Pero antes de "morir" definitivamente ("matando" a su frágil antigua yo) y renacer, pudo sobrevivir al dolor, y eso es lo que nos presenta la segunda mitad del álbum, encabezada por uno de los mejores temas de Revival: "Survivors"tiene una letra preciosa sobre sobrevivir a una ruptura y una producción tropical/house -al más puro estilo "What Do You Mean"- exquisita. Fue de mis favoritas nada más escuchar el álbum y lo sigue siendo a día de hoy 4 meses después.
En esta segunda mitad es en donde se recupera la fórmula de las canciones de la antigua Selena, solo que con un toque más sensual y un sabor más latino. "Body Heat", "Outta Of My Hands (Loco)" y "Me & My Girls". Es lo más bailable que vamos a encontrar aquí, y en cierto modo se agradece, ya que estamos hablando de una artista más pensada para bailar que para emocionar con baladas. De estas tres quiero resaltar sobretodo "Me & My Girls": esa mezcla de western con electrónica es genial, pero el mensaje feminista de "You don't understand, I don't need a man" es la verdadera guinda de la canción. Ojalá que sea sencillo, porque más de una vez lo he dado todo con ella.
Si aún así echabas de menos a la Selena frágil de "The Heart Wants What It Wants", tranquilo que también hay algo para ti. Concretamente 3 temas: "Nobody", "Perfect" y "Cologne". Estas, a diferencia de "Camouflage" sí logran trasmitir algo. Especialmente "Perfect", en donde se ve lo mucho que le ha afectado a la intérprete de "Love Will Remember" los cuernos que Justin le puso a ella en su momento. El arpa y su voz apenada ayudan bastante a sumergirse en el ambiente de celos que la rodea.
Y finalmente nos encontramos con "Rise", con un mensaje perfecto para cerrar el álbum aunque una producción un tanto aburrida: coros y algo de reggae.
En definitiva, Selena Gomez sí que ha conseguido renacer musicalmente, sin atascarse en lo mismo de siempre ni pasar de un extremo a otro como hizo Miley en su momento; con algo de relleno de por medio, pero se lo perdonamos por el concepto de las dos Selenas y por los numerosos temazos que contiene el álbum.
Posibles singles: "Survivors", "Me & My Girls", "Me & The Rhythm". Relleno: "Camouflage", "Rise".
Pocas artistas se permiten el lujo de extraer seis sencillos de un mismos álbum, y muchas menos realizar una superproducción para el vídeo del sexto. Pero ese no es el caso de Taylor Swift, que piensa exprimir su 1989 al máximo.
La opción elegida (y probablemente la última, dejando en el tintero temas como "New Romantics" y "I Know Places") es "Out Of The Woods", de la cual ya os hablé en la review de 1989 y en el significado del vídeo de "Style"; por lo que vamos a centrarnos exclusivamente en el vídeo de este tema en cuestión más que en la canción en sí.
Arriba: playa vídeo OOTW
Abajo: playa vídeo Style
El clip de "Out Of The Woods" guarda relación con el de "Style", puesto que se trata de una continuación del mismo. ¿Que cómo lo sé? Pues porque la playa en la que se encuentra el actor que hace de Harry Styles y en la que se encuentra Tay en este vídeo es la misma. Por lo que, sí: este tema también va dirigido al integrante de One Direction (al igual que la totalidad de 1989).
Así que podemos contextualizar este vídeo en el momento en el que ella rompe con Styles y se encuentra perdida: SHE LOST HIM. Pero el principio del vídeo en verdad es el final del mismo, puesto que es la misma Taylor, con el mismo vestido. Puede que resulte un poco díficil de comprender, pero os lo explicaré más adelante.
Por lo que dejando de lado la escena de la playa, el clip comienza con Taylor en el bosque, caminando sin rumbo por el mismo e iniciando un largo viaje. Todo ese viaje son recuerdos de su relación con el británico. Se puede corroborar por la frase que canta cuando comienza a andar: "Looking at it now, it all seems so simple". Está recordando.
Un lobo rasgando el vestido de Taylor
Y conforme avanza, el bosque se hace más y más denso y aparecen una jauría de lobos que empiezan a perseguirla. Como ella bien dijo en varias entrevistas en la que explicaba esta canción, "Out Of The Woods" es la ansiedad que le produce dicha relación: el no saber si al día siguiente seguirá viva o habrá acabado. Es una relación que implica movimiento constante y que nunca termina de asentarse; por lo que ahí tenemos la explicación del nomadismo de la intérprete de "Shake It Off" y el porqué nunca se detiene. "Are we out of the woods yet?" / ¿Hemos salido ya del bosque? ¿Hemos conseguido llegar al final y lograr asentarnos?
Mientras que los lobos son símbolo de sus propias inseguridades: el querer dejar la relación pero no hacerlo por miedo a terminar sola y con el corazón roto. Por lo que se pierde a sí misma en ese bosque por ese miedo y la ansiedad que le produce dicha relación.
La ruptura literal del vestido de Taylor Swift
Otro momento destacable es en el que se arranca el famosísimo colgante en forma de avión de papel (regalo a juego del propio Harry) y lo arroja al vacío. Curiosamente, justo después de hacerlo, se lanza desde un acantilado y los lobos no vuelven a aparecer en el vídeo. Creo que es más que obvio lo que viene a representar esta escena: Adiós Harry. Adiós miedos.
Tras haber roto con él, su vestido se congela y se rompe en uno más corto. No lo parece, pero la diferencia es mínimamente apreciable. ¿Será que su vestido es una representación de su corazón roto? De esta teoría no estoy muy seguro, pero me apoyo en la metáfora de que su vestido es más corto porque un corazón roto nunca vuelve a ser igual (puedes intentar pegar los trozos de un corazón roto, que nunca va a volver a ser el de antes).
El bosque ardiendo
En la siguiente escena hay un pequeño guiño a la canción "Clean" (última canción de 1989), mostrándonos a una Taylor completamente embarrada que termina... pues eso, acabando completamente limpia. Supera la relación y va en búsqueda de sí misma. Por lo que con esta teoría vemos que cuando cae al agua, se "limpia" y se desintoxica de su anterior pareja; y tras eso vemos breves escenas en las que el bosque arde: otra representación de que todo ha acabado.
Finalmente, la Taylor del vestido corto (corazón roto) se encuentra con la Taylor del inicio del vídeo: ha logrado reencontrarse consigo misma después de haber recordado por lo que ha tenido que pasar para poder conseguirlo. Un genial clip para terminar una de las más exitosas eras del pop y cerrar uno de los capítulos más intensos de la vida personal de Taylor.
¿Os ha gustado el vídeo? ¿Y la interpretación? Si hubiera un séptimo sencillo par 1989, ¿qué opción escogeríais vosotros?
SHE LOST HIM. BUT SHE FOUND HERSELF. AND SOMEHOW THAT WAS EVERYTHING.
¿Qué mejor manera de empezar el 2016 que estrenando la primera entrada del año nuevo con el que ha sido el álbum más exitoso del año anterior? Sí, amigos. Me estoy refiriendo al aclamadísimo y arrasador 25 de Adele, el único álbum capaz de postularse como el más vendido de un año con apenas dos meses en el mercado: 12 millones y subiendo. Y en plena decadencia de ventas en álbumes. Más mérito imposible.
Pero, ¿realmente ha sido necesario tanto tiempo para preparar este disco? ¿Se adecua su calidad realmente a todos los récords habidos y por haber que está rompiendo o no se merece tanto bombo conseguido por efecto rebote de su maravilloso 21?
"Hello". Puede parecer una tontería ponerla de intro, pero teniendo en cuenta su hiatus de 4 años, un saludo de Adele es la mejor intro posible para una era tan icónica como lo es esta. ¿Y qué puedo deciros de este temazo que no sepáis ya? Pues con que es el octavo mejor tema de 2015 queda todo dicho: potente, desgarradora y con un ritmo in crescendo que te arrancará más de un gorgorito.
Por derroteros más pop encontramos "Send My Love (To You New Lover)" y "Water Under The Bridge", en donde Adkins explota su lado más comercial. En el caso de "Lover" cuenta con la colaboración de Max Martin, dándole un toque muy Swift con la guitarrita y los coros poperos, pero sobretodo por el mensaje de te he superado, mándale tu amor a la otra. "Bridge" también es pegajosa como ella sola, y hace alusión a lo que traduciríamos al español como "agua pasada": ella se está enamorando y se siente muy insegura por ello porque piensa que su amante le va a dar de lado, la olvidará y pensará en ella como agua pasada. Bastante temazos ambos y con altas posibilidades de ser singles en un futuro, la verdad.
Sin embargo en este disco también hay espacio para la Adele más clásica, como nos desmuestra "I Miss You". Producida por un habitual de la británica (Paul Epworth), nos encontramos de vuelta con la versión más entristecida de la intérprete de "Rolling In The Deep". Oscura, profunda y una clara muestra de dependencia nocturna son lo que mejor definen este tema. Y en el mismo ambiente lúgubre hallamos "River Lea". Aquí canta que dicho río es el lugar donde acudió a llorar cuando le rompieron el corazón, y relaciona dicho lugar con la angustia que le produce el desamor. Por eso le echa la culpa al río Lea de que use y haga daño a las personas para intentar sanar su propio corazón (un clavo saca a otro clavo); le echa la culpa a su anterior relación.
La nostalgia también es tratada en 25 por esta Adele clásica. Si os gustaron los baladones "Someone Like You" o "Set Fire To The Rain", "When We Were Young" es vuestra canción. Orgánica y emotiva, Adele derrocha todo su vozarrón acompañada con un maravilloso coro en este tema firmado por Ariel Rechtshaid. De lo mejor que ha presentado Adele en su carrera y, obviamente, lo mejor del disco.
Igual de nostálgica pero más pausada es "Million Years Ago", que con un sonido acústico muy agradable, nos presenta lo doloroso que puede ser darse cuenta de lo rápido que pasa el tiempo y como este nos hace cambiar.
Pero, ¿qué sería un disco de Adele sin que tratase las relaciones de la manera más dramática posible? Pues un disco de Taylor Swift no, seguro. "Love In The Dark" y"All I Ask" son las canciones dramáticas por excelencia en 25. "Love In The Dark" narra mediante una preciosa orquesta la dificultad que le supone a ella tener que romper con alguien a quien ella no ama; mientras que "All I Ask" es mucho más sencilla, ya que cuenta solo con la apenada voz de Adele acompañada exclusivamente de un piano. Es de mis favoritas, ya que me siento bastante identificado con su letra (co-escrita con Bruno Mars). Merece la pena que le echéis un vistazo a la misma, porque es bastante cruda.
Y para cerrar el álbum (como buen disco post-maternidad que es, véase BEYONCÉ), Adele realiza un tributo a su hijo en la preciosa "Sweetest Devotion". Aunque dicho tributo y amor de madre está mejor representado enla sincera "Remedy".
En conlusión: ¿ha conseguido superarse Adele a sí misma con 25? Pues la verdad es que sí. La británica ha evolucionado de un sonido soul a uno más pop, pero sin perder su seña de identidad, y eso es digno de reconocimiento. No es mejor que 21, pero su calidad justifica la sequía de material de estos últimos 4 años. Por lo que sí: la espera ha merecido la pena.
Posibles singles: "When We Were Young", "Send My Love (To New Lover)", "Water Under The Bridge", "All I Ask". Relleno Buenos temas que no serán singles: "River Lea", "Sweetest Devotion"
